Mi Moleskine Arquitectónico

ARQUITECTURA COLONIAL EN FILIPINAS (2). INTRAMUROS

2012-01-23T12:40:00.006+09:00

Foto cortesía de eazy traveler.

Camino por las calles de Intramuros y siento una sensación de deja-vu, de deliciosa familiaridad. Me sorprendo cuando una de mis amigas me invita un chicharrón, que me evoca a la comida de mi tierra (aunque aquí esta riquísima corteza de cerdo frita se escribe tsitsaron). El paisaje que me rodea me hace aludir a imágenes coloniales de Arequipa, en Perú, Antigua en Guatemala o México.

Interior de patios y casonas en Intramuros

Iglesia de San Agustín.

No es casual. Intramuros fue fundada sobre la base de un antiguo asentamiento tagalog, en la confluencia de la bahía de Manila y el río Pasig, por Miguel López de Legazpi en 1571, quien había llegado de México a la isla de Cebú, posteriormente enrumbó hacia el norte hasta llegar a este lugar.

Intramuros, Manila. Ver imagen en Google Maps

Intramuros fue la capital de la nueva colonia española de las islas “Felipinas” y fue un punto clave en la ruta comercial entre Asia y América (Manila y Acapulco) que permitió, mediante galeones, que se realizara el sueño de Colón de que España pudiera llegar a las Indias Occidentales. Y si bien América se benefició con productos como mangos, seda, papel, los sobres y los mantones de Manila, los filipinos también recibieron una importante influencia latinoamericana, en cuanto a la comida, la religión, el arte, y la arquitectura mestiza (por supuesto, también en el lenguaje. A la plétora de palabras hispanas que se incluyen en el lenguaje filipino moderno, se suman algunas de origen azteca, como nanay –mamá- o tatay –papá).

El nombre de Intramuros me evoca la idea de un sector aislado, protegido de la expansión urbana y que alberga dentro de sí joyas históricas, pero también la idea de protección contra ataques de piratas o invasores (en este caso chinos, holandeses e ingleses).

Restos de baluartes y fortificaciones

Pero lo cierto es que Intramuros también implica una exclusión social, la diferencia a los que estaban dentro de las murallas (blancos y mestizos) de aquellos nativos que vivían en extramuros. Parece ser sin embargo, que a mediados del siglo XIX esa tendencia se había disuelto en una sociedad más inclusiva para ciudadanos de todas las razas y estratos sociales, tal como lo narra un viajero británico de la época.

Filipinas mestizas a finales del siglo XIX

Urbanamente, Intramuros se concibió como una fortificación trapezoidal, en la cuña que forman el mar y el río Pasig (hoy en día los rellenos sobre el mar dificultan esa lectura). En su interior se organiza una trama rectangular, en uno de cuyos extremos se hallaba la plaza mayor, rodeada por los poderes más importantes de la época: la catedral, la gobernación y la cárcel. En ese sentido, Intramuros se asemeja a otras ciudades fortificadas en Hispanoamérica, como Lima, por ejemplo.

Intramuros en 1784.

Intramuros en el siglo XVII, mostrando los alrededores o "extramuros"

Además de la catedral, la ciudad se hallaba salpicada por las torres de otras congregaciones, como Franciscanos, Dominicos y Agustinos.

La Catedral antes de 1945

Vistas de la Catedral

Las calles, como otras ciudades coloniales hispanas, presentan perfiles compactos, sin retiros ni jardines frontales, pero con balcones y arquerías, que fueron cambiando con los años debido a las catástrofes que asolaron la ciudad.

No obstante, al interior las edificaciones se organizan en torno a patios o claustros, que permiten brindar iluminación y ventilación a los ambientes interiores, además de generar un microclima y establecer un espacio social y funcional a las mismas.

Mención aparte merecen las fortificaciones, ejecutadas durante siglos, y las puertas, artísticamente decoradas como en el caso de la Puerta del Parian o la Puerta Real.

Puerta del Parian.

Puerta Real en 1899.

Vídeo de Intramuros en su etapa española
Presionar aquí si no puede ver el vídeo

José Rizal, máximo prócer de la independencia filipina, fue arrestado y fusilado en el fuerte Santiago en Intramuros. Antes de morir, escribió su inmortal poema "Mi Último Adiós".

Intramuros permaneció intacta hasta la colonización de Filipinas por EE.UU. donde se llevó a cabo ensanches de calles y puertas.

El siguiente vídeo muestra los efectos de la modernización durante la colonización norteamericana, que transformó a Manila de un "adormecido pueblo español" a una metrópolis estratégica en Asia, gracias a su renovación urbana, implementación de servicios e infraestructura y desarrollo de la economía. El documental no dice nada, sin embargo, de que la colonización se llevó a cabo luego de una vergonzosa traición de EE.UU. a los Filipinos y que la guerra de la independencia Filipino-Americana le costó a este país entre 200,000 y 1.4 millones de muertos (por eso insisto que siempre hay que escuchar ambos lados de la historia).

Presionar aquí si no puede ver el vídeo

Pero no serían los americanos sino los japoneses quienes causarían mayores estragos a Intramuros y a Manila en general. Tras el bombardeo a Pearl Harbour, y como represalia tras la respuesta americana, Japón invadió Filipinas (en realidad era el pretexto que estaban esperando). Manila, que estaba bajo el comando del general Douglas MacArthur, se rindió prontamente para evitar la destrucción de su patrimonio y la pérdida de vidas.

- "¿Piensas dejar Manila, Douglas?"
- "No te preocupes, Carlos. Iré a Australia por un tiempo, pero he de volver."

En la penumbra de la fortaleza, se oculta un soldado japonés.

En los 3 años y medio que duró la brutal ocupación nipona se produjeron entre 1 y 2 millones de muertos filipinos. En su batalla final contra los norteamericanos (quienes, en una de esas vueltas que da la historia, se volvieron los libertadores de los filipinos), los japoneses no dudaron en pasar por la bayoneta a la población local, incluso a niños y mujeres embarazadas, y de incendiar Manila durante retirada.

Nota:Este vídeo histórico contiene escenas que pueden ser impactar la susceptibilidad de algunos lectores.

Como consecuencia de ello y del fuego cruzado entre ambos bandos, Intramuros quedó devastada y todas sus estructuras destruidas, a excepción de la Iglesia de San Agustín. Sólo en la batalla de Manila más de 100,000 civiles filipinos perdieron la vida.

- "Eso es igual a las muertes por las bombas en Hiroshima y Nagasaki" me dice un viejo guía en una comparación terrible y un tanto inexacta, pero que refleja el profundo dolor de aquella experiencia que vivió en carne propia y que le ha acompañado toda la vida.

Intramuros, Manila en 1932, antes de su destrucción en 1945

Foto cortesía de DebraEve

Hoy, se ha reconstruido gran parte de esta ciudadela (que, dicho sea de paso, ha contado con la cooperación española, norteamericana y japonesa) aunque es una de los monumentos en la lista de patrimonio en peligro por la UNESCO. Intramuros no es un memorial deprimente, trágico, como lo es, por ejemplo, la Isla del Corregidor. Por el contrario, derrocha alegría, festividad y frenesí, y mientras algunos extranjeros juegan golf en el campo que rodea al monumento, muchos otros expresan en su bullicioso y extrovertido carácter un optimismo por tiempos mejores. Soy consciente, sin embargo que este lugar no es meramente histórico, es un símbolo de la tenacidad y el sacrificio filipinos por conseguir su independencia, que finalmente lograron en 1946.

VER TAMBIÉN

- ARQUITECTURA COLONIAL ESPAÑOLA

Muchas gracias a los Visayas por su amable compañía en Intramuros.

ARQUITECTURA COLONIAL EN FILIPINAS (1).

2012-01-17T14:35:00.010+09:00

ENGLISH

Filipinas es un país atípico en Asia, por su cultura, su comida, su religión y por supuesto, su patrimonio arquitectónico. Al estar allí me sentí más cerca de Latinoamérica que del Sudeste Asiático donde se halla geográficamente inmersa, y es que el paisaje tradicional filipino dista mucho de construcciones budistas hechas de madera de techos inclinados y grandes aleros, como se puede ver desde Taiwán hasta Corea, desde Tailandia hasta Japón.

El rico patrimonio mestizo tropical de las Filipinas, que alberga numerosas joyas artísticas y arquitectónicas de valor universal, devino por un lado de la ingeniosa originalidad de los filipinos al innovar en estilos y sistemas constructivos basados en los materiales disponibles en su medio, y por el otro de la inefable huella que la conquista española dejó por más de 3 siglos en este archipiélago. Lo más curioso, sin embargo, es que aquella influencia arquitectónica colonial en no provino directamente de la península ibérica (a la cual los barcos tardaban dos años en llegar), sino más bien desde las colonias americanas, particularmente desde México y en menor grado, Perú.

Las siguientes entradas explorarán algunos rasgos y ejemplos notables de la arquitectura colonial filipina, vista desde los ojos de un latinoamericano, esperando que pueda servir de interés y referencia para la discusión sobre las culturas de influencia hispánica. Esta primera entrega incluye una introducción a las características principales de la arquitectura colonial filipina y dos ejemplos de iglesias singulares en Asia.

Casa colonial en Bohol

CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA FILIPINA

La cruz junto a la espada regiría el destino de este pueblo por 400 años. Misioneros de diferentes congregaciones se dieron a la tarea de edificar templos, monasterios y conventos. No obstante, hay algunas características que peculiarizan este proceso:

Claustro del Convento Santo Niño, Cebú
Foto cortesía de Pierre Marius

1) Vínculo indirecto con España: La lejanía con el país ibérico motivó que la colonización de Filipinas se realice desde Norte y Sudamérica.
2) Mestizaje arquitectónico. Los nativos, eran diestros en el arte de construir con bambú y madera, pero no conocían el uso de la piedra. A tal efecto, fueron convocados constructores chinos e inclusive musulmanes, notándose influencias árabes en algunas iglesias en Cebú y Manila, utilizando materiales nativos, como el coral e ideando técnicas constructivas para contrarrestar el embate de tifones y terremotos.
3) Juxtaposición de estilos. Dados los escasos recursos, y ante el devenir de calamidades, los edificios no eran derruidos sino reconstruidos sobre sus cimientos o paredes.

Iglesia en Ilocos

CEBÚ Y LA PRIMERA IGLESIA DE ASIA

Antecedentes

Con influencias malayas, indonesias y chinas, los indígenas de este archipiélago tuvieron un primer contacto con occidente al desembarcar en estas costas Fernando de Magallanes, durante su expedición alrededor del mundo. Desde niño había escuchado la historia del valiente navegante portugués, que no pudo completar su circunvalación al mundo debido a que fue asesinado por unos salvajes en la isla de Cebú.

Esta vez, sin embargo, escuché la versión filipina (es siempre interesante escuchar ambos lados de una historia), la del valiente jefe Lapu Lapu quien en 1521 enfrentó a los invasores que habían reclamado sus tierras en nombre del rey de España, convirtiéndose por tanto en el primer héroe filipino.

Estatua de Lapu Lapu en Manila

Pero antes de aquella escaramuza, los españoles habían sido amablemente recibidos por los nativos y es más, habían llegado a realizar la primera misa en la historia de Asia, en torno a una cruz que plantó el propio Magallanes (hoy los filipinos conmemoran la introducción del Cristanismo al archipiélago con la llamada “Cruz de Magallanes”, que marca el lugar de aquella primera ceremonia).

Alegoría a aquella cruz que el navegante hendió y a la primera misa celebrada en este territorio.

Fue allí que al conquistador se le ocurrió que debía evangelizar a como dé lugar a los habitantes de estas tierras, comenzando por sus gobernantes, el Rajá Hubanon y su esposa. A éstos les regaló una imagen del Niño Jesús, llamada Santo Niño. Luego intentó convertir al rival de Hubanon, Lapu Lapu, y al negarse éste decidió atacarlo. Mala idea. Magallanes y su grupo fueron masacrados y la imagen religiosa tomada como trofeo.

Cuando 43 años más tarde López de Legazpi llegando de México inició la conquista del archipiélago (bautizándolo como las “Islas Felipinas” en honor al rey Felipe II), encontró la imagen de Santo Niño, algo deteriorada, pero venerada por los nativos como una deidad local. Ese fue el inicio de la ciudad de Cebú, de la colonización de Filipinas, de la evangelización del Asia y de la la iglesia y convento de Santo Niño.

Muchacha filipina cargando una imagen de Santo Niño, el icono religioso del país.
Foto cortesía de Víctor Bautista.

La iglesia original fue fundada por un padre agustino, Andrés de Urdaneta en 1565 y era simplemente hecha de barro, madera y paja. Tras sucesivos incendios y terremotos la iglesia actual fue hecha en piedra blanca, entre 1734 y 1739.

El conjunto de Santo Niño consta de la iglesia y el convento. La entrada se da por el lado más largo del edificio, algo que difiere de la mayoría de iglesias . Esta circunstancia le da una mayor presencia a su fachada, que puede observarse desde un espacio que la antecede.

Tal como apunta el Padre Pedro G. Galende, en su detallado compendio "Ángeles de Piedra. Iglesias Agustinas en las Filipinas".

La fachada de la iglesia de Santo Niño representa una mezcla de elementos musulmanes, románicos y neo clásicos, todos ellos dispuestos describiendo un alto grado de integración.
La fachada, siguiendo un patrón clásico, está dividida en dos niveles. Columnas llanas dividen cada nivel en tres segmentos. El campanario sirve como contrapeso al convento localizado en el extremo opuesto. Un pedimento triangular corona la sólida, pero no masiva fachada.

El centro de atención se da en la sección central. El arco en forma de trébol en la entrada principal se equilibra por los poco profundos nichos rectangulares laterales que contienen estatuas. La composición vertical es replicada en el pequeño diseño del segundo nivel sobre la cornisa, arco trebolado, el pedimento y el ornamento a los costados a manera de voluta, una fachada dentro de otra fachada. Un pedimento doble corona la fachada.

Los nichos rectangulares del nivel inferior están contrapesados por ventanas de arcos semicirculares del segundo nivel.
El campanario presenta dos ventanas ciegas y abiertas alternadas, culminando en pináculos triangulares con un disco circular coronado por balaustras y una cúpula bulbosa de influencia musulmana.

Foto cortesía de ronrag.

La fachada se preserva en la textura y color natural de su piedra original. Transmite un aire de simplicidad y elegancia, las líneas están prolijamente dibujadas y las columnas proyectadas se mantienen poco profundas. El grácil arco en trébol, los dignos ornamentos y la perspectiva plana crean un sentido de serenidad y elegancia".

Interior de la Iglesia

Además de su valor histórico, este espacio tiene un alto valor simbólico y es el centro de las celebraciones y peregrinajes más importante del país.

La celebración de Santo Niño es la más importante del país.
Foto cortesía de Jessle Cuizon.

SAN SEBASTIÁN, LA ÚNICA IGLESIA DE METAL EN ASIA.

an Sebastián, Manila. Iglesia recoleta ensamblada en acero.

En las postrimerías de la etapa colonial, en 1891, se erigió en Manila la Basílica de San Sebastián, construida en estilo neogótico y notable por ser la única iglesia construida en acero y metal en el Asia, aunque hay quienes la consideran única en el mundo. Por este motivo, se halla en la lista tentativa de la UNESCO.

La primera iglesia erigida en este lugar fue construida en el siglo XVII, hecha de madera e incendiada en 1651. Posteriormente se hizo una estructura de ladrillo que fue destruidas por el terremoto de 1859.

Esta basílica no tiene un atrio o una plaza que la antecede como en otros casos de iglesias coloniales. Sin embargo, se ubica en un nodo importante y su estatura le permite tener una presencia notable en el perfil urbano.

Lo peculiar de esta iglesia es que fue diseñada por la compañía de Gustave Eiffel en Francia y los elementos de acero fueron fabricados en Binche Bélgica. Incluso los ventanales fueron importados de Alemania, de la Compañía Henri Oidtmann. Los elementos fueron ensamblados en tan sólo dos años, entre 1888 y 1890. Finalmente fue inaugurada en 1891.

La iglesia de San Sebastián durante su construcción. Revista de Obras Púbicas. 1897.

La fachada presenta dos torres simétricamente compuestas que flanquean el acceso principal, el cual se halla remarcado por un rosetón central.

En el crucero se ubica un cimborrio octogonal que permite el ingreso de luz al interior de la iglesia.

Foto cortesía de Sinchibukai.
Foto cortesía de steadfast.

La iglesia es una de las pocas estructuras que sobrevivió intacta a la batalla de Manila.

Manila devastada por los japoneses en 1945. Foto cortesía de John T. Pilot.

Sin embargo, San Sebastián quedó intacta. Foto cortesía de Debra Eve.

Pienso que, a diferencia de otras iglesias filipinas, San Sebastián presenta un diseño europeo, que fue trasportado y erigido en otro continente. Es, sin embargo, un ejemplo único de una tecnología particular que simbolizaba la apuesta por la tecnología y la economía sin renunciar a los valores estéticos de una época.

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- ARQUITECTURA COLONIAL ESPAÑOLA

MY SON IN VIETNAM

2012-01-09T12:18:00.002+09:00

Ruinas Champa de My Son en Vietnam. Foto cortesía de Global Citizen.

ENGLISH

"I Left My Son, Abandoned In The Middle Of Nowhere" puse en mi estado de Facebook, para el espanto de mis amigos. En realidad, al My Son que me refería (se pronuncia mi son) es un conjunto arqueológico de arquitectura hindú se encuentra en medio de la selva vietnamita, y que ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad por UNESCO. Su estado ruinoso, debido al paso del tiempo y particularmente a los feroces bombardeos de EEUU durante la guerra, no ha dejado mucho que ver para el visitante, especialmente si se compara My Son con otros sitios monumentales en esta parte del mundo. Sin embargo, durante la visita a esta antigua capital del reino Champa, resultó evidente su relación estilística con otros conjuntos similares en la región Indochina, así como la importante influencia de la arquitectura y el arte hindú, antes del dominio del budismo en esta parte del Asia.

LOS CHAM Y LA INFLUENCIA HINDÚ

Los cham fueron una etnia de pescadores y agricultores que floreció en Vietnam entre los siglos II al XVII. Los cham crearon la civilización Champa, y compartieron lazos históricos, así como también enfrentamientos con otras culturas alrededor del río Mekong. Pero además, las civilizaciones de la península Indochina recibieron importante influencia hindú, lo cual se expresa en el arte y la arquitectura de la zona. My Son precede en el tiempo y comparte características muy cercanas a las estructuras como como Prambanang en Indonesia, Ayutthaya en Tailandia, Ankor en Camboya y en Bagan en Birmania (Myanmar). Incluso en estructuras budistas como Borobudur, en Java, Indonesia, mantienen características de la arquitectura hindú (curiosamente, sería el budismo la religión que eventualmente se impondría en toda esta zona, a excepción de Indonesia que es principalmente musulmana). Según la UNESCO, My Son habría sido un centro de intercambio cultural y el lugar desde donde se introdujo la arquitectura hindú al Sudeste Asiático.

Izquierda: Tráfico marítimo del reino Champa con otras civilizaciones de la región. Arriba, siglo VII al IX. Abajo, siglos X al XIII.
Derecha: complejos hindúes en el Sudeste Asiático.

Algunas características comunes entre My Son y otros sitios hindúes son, por ejemplo, las presencia de torres de techos complejos y de forma piramidal; la presencia de lingas, unas esculturas fálicas que representan la fertilidad y que son asociadas además con las buenas cosechas y la presencia de representaciones del dios Shiva, Vishnu y Ganisha, entre otras deidades del panteón hindú.

EMPLAZAMIENTO DE MY SON

Nos toma más de una hora llegar a My Son, ubicado a unos 70 km de Da Nang, en Vietnam central. En el trayecto, me resulta difícil imaginar la razón de la elección de este sitio en medio de la espesa selva para la construcción de una ciudad. Sin embargo, una mirada un poco más panorámica evidencia una especial configuración del lugar.

My Son se ubica en las cercanías de un río, en un valle circular, una especie de "nido" formado por montañas, una de las cuales sobresale hacia el suroeste.

Me pregunto si la elección del lugar habría habido algún tipo de relación con la geomancia china o Feng Shui, que como se sabe escogía este tipo de configuraciones para favorecer el flujo de energía positiva en la ciudad, o si aquella alta montaña habría simbolizado el mítico monte Meru, uno de los ejes de la cosmogonía hindú.

Si bien no he encontrado bibliografía que confirme estas hipótesis, en cualquier caso, intuyo que la configuración del sitio ha debido tener un papel importante, tanto simbólica como defensivamente, más aún considerando que My Son, era el centro religioso e intelectual del reino Champa.

My Son en 1938, antes del bombardeo norteamericano.

CARACTERÍSTICAS

La ciudadela de My Son fue desarrollándose en varias etapas a través de los siglos, y está compuesta por varias torres de diferentes estilos rodeadas de edificaciones complementarias.

Evolución del conjunto de las torres de My Son entre los siglos VII y XIII. Imagen tomada del museo de sitio.

Básicamente el conjunto consta de 68 torres organizadas en varios grupos de edificios emplazados a ambos márgenes del río, delimitados por campos rectangulares y con una orientación predominantemente este-oeste. Los conjuntos eran presididos por un templo principal llamado kalan y rodeado por santuarios menores y delimitados por muros bajos.

Si bien los primeros edificios fueron hechos de madera, incendios obligaron a reemplazarla por ladrillo y arenisca. Al utilizar este material, las torres Cham adquirieron mayor monumentalidad y resistencia. Sus techos pueden ser planos o en forma de pirámides ojivales. Su altura varía, pudiendo llegar hasta los 24 m.

Reconstrucción hipotética y estado actual de una de las torres.
Imágenes tomadas en el museo de sitio.

A diferencia de la bóvedas occidentales, las "bóvedas" ojivales eran construidas mediante la superposición de hileras de ladrillo que iban retirándose poco a poco hasta converger en su cima. El interior de las mismas era hueco, ya que representaba una cueva o una matriz.

La planta es por lo general cuadrada, aunque también las hay de base rectangular. La puerta de ingreso se orientaba hacia el este, que es la orientación de amanecer, el punto donde el movimiento cósmico se inicia.

Arte y estilo de los pilares al ingreso de los templos.

Andrew Hardy, Mario Cucarzi y otros sostienen que, de acuerdo a los conceptos arquitectónicos del hinduísmo, los kalan Champa estaban compuestos de tres partes:
a) Los cimientos del templo, simbolizando el mundo.
b) El cuerpo del templo, simbolizando el mundo espiritual de los fieles, el lugar donde ellos se purificaban al entrar en contacto con sus ancestros y los dioses.
c) El techo del templo, representando el mundo de los dioses, el lugar donde los dioses residen.

Las balaustras, en diferentes estilos, son comunes en la arquitectura de esta parte del mundo, desde Angkor Wat en Camboya hasta Luang Prabang en Laos.

Los ladrillos que componen los edificios miden 31 cm x 17 cm x 5 cm y eran colocados sin mortero. Sin embargo, de acuerdo L. Binda, P. Condoleo y otros (2006), se utilizó una resina especial obtenida de los árboles dàu rài.

Estas cuñas eran talladas en los pilares de piedra para lograr un montaje más resistente y estable.

Además, las torres eran decoradas con motivos florales, plantas, animales y seres humanos al estilo hindú.

Entre los elementos más importantes se hallaban algunas fuentes llamadas yoni-linga, que eran la representación de los genitales sagrados y que representaban la unión de los dioses Shakti y Shiva.

Es probable que algunas de las yoni-lingas y/o esculturas de divinidades hayan sido veneradas en un espacio ritual definido bajo estructuras de madera montadas sobre bases de piedra.

Sin embargo en vez de lingas en esta torre encontramos unas bombas arrojadas por los B52 norteamericanos, las que no llegaron a explotar y que son un testimonio de aquellas terribles memorias de la guerra, que están presentes en todo el país. Curiosamente, hoy las bombas son más bien usadas como campanas.

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- ARQUITECTURA HINDÚ

LA BAHÍA DE HA LONG, VIETNAM

2012-01-03T17:22:00.003+09:00

ENGLISH

Esta entrada es, además de ser la primera del 2012, es nuestro post 350, y como es costumbre cada 50 entradas, está dedicado a un tema no arquitectónico.

Esta ocasión especial está dedicada a la bahía de Ha Long (o Halong) en Vietnam, un paisaje que por el valor simbólico que tiene para sus habitantes es probablemente el más significativo de Vietnam, pero que además, dada su peculiar conformación geológica y geomorfológica, ha sido considerado Patrimonio Natural por UNESCO y elegido una de la 7 Nuevas Maravillas Naturales del mundo.

Foto cortesía de Grumsysumpy

Ha Long significa "El dragón descendiendo", pues de acuerdo a la leyenda , un grupo de dragones descendió de los cielos como un obsequio de los dioses al ancestral pueblo vietnamita, para ayudarlos a defenderse de sus enemigos. Aquellos dragones escupían joyas y jade, los que se convirtieron eventualmente en miles de rocas que pueblan la bahía, y las islas más grandes son la propia familia de dragones petrificados.

En realidad, hay conformaciones parecidas en otras áreas de la región, y la primera vez que vi unas rocas verticales emergiendo el agua como si estuviesen flotando en ella fue en las Islas Phi Phi , en Tailandia, y las hay también, por ejemplo en Filipinas, China y Okinawa, en Japón. Pero en ningún otro lugar existe cantidad y densidad que se percibe en Vietnam.

Son más de 3000 formaciones rocosas , cuyas moles gigantes y verticales van diluyendo sus tonalidades cromáticas, hasta que parecen desvanecerse en la bruma del horizonte.

Foto cortesía de fallroad

Algunas de las rocas adquieren formas peculiares, como estas llamadas los Gallos de Pelea. Foto cortesía de Ha Long Travel.

De vez en cuando puede divisarse alguna embarcación de pescadores, usando sus típicos sombreros cónicos de paja, aunque es cierto que hay también hay varias otras dedicadas a la "pesca" de turistas.

Foto cortesía de jmboer

Y es que, además de la magia que transmiten esta escenas, en muchos casos la acción del mar y los elementos ha logrado eviscerar el interior de estas rocas, produciendo impresionantes cavernas, cuyas dramáticas formaciones geológicas parecen haber sido cuidadosamente esculpidas.

La siguiente es una secuencia de nuestra visita a Ha Long Bay.

Aprovecho la oportunidad para desearle un próspero año 2012 y para agradecerle por su cordial lectura.

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- ESPECIALES.

UNA MIRADA A VERUCCHIO, ITALIA

2011-12-27T13:29:00.015+09:00

ENGLISH

Verucchio es un pequeño pueblo medieval encaramado en un risco ubicado en la provincia Emilia Romaña, y es una muestra de la habilidad de los italianos para modelar el paisaje. La fortaleza Malatestiana y el pueblo que la rodea están tan arraigados a la formación rocosa de la cual la emergen, como arraigado está el territorio en la psique de sus habitantes. Uno se explica por qué en italiano la palabra paese (comarca) comparte la misma raíz con la palabra paesaggio (paisaje).

Castello di Verucchio. Foto cortesía de Maurizz.

Verucchio es un pueblo medieval que se yergue sobre un peñasco de 330 m de altitud, dominando una llanura agrícola surcada por el río Marecchia (curioso el nombre del río, que significa "pequeño mar" y que da cuenta de su importancia para la navegación). Desde allí hacia el sudeste, es posible ver las torres de San Marino, el país más pequeño y la república más antigua del mundo, y que se encuentra a apenas 12 km de Verucchio.

Hacia el norte se goza de magníficas vistas del mar Adriático, bañando las costas de Rimini. Son estas cualidades geográficas las que dan a Verucchio su nombre, que deviene "verrucula" en latín significa "pequeña verruga", una metáfora que contrasta la forma del promontorio con la planicie que lo rodea: la "tierra de Roma" o Romania, que luego fue Romaña.

Ver ubicación en Google Maps .

Si bien esta es una ciudad medieval, se han encontrado restos de asentamientos humanos pre-romanos del siglo X al VII a.C. que evidencian un rol importante de Verucchio en la Edad de Hierro como un punto de encuentro entre las culturas adriáticas, el Oriente y Europa Central.

Verucchio es un típico burgo medieval, cuyas calles se disponen orgánicamente amoldándose a la topografía y desembocan una plaza alargada, llamada Piazza Malatesta. A un costado, se ubica el palacio municipal, una obra neoclásica hecha en 1895 en reemplazo de una antigua estructura. La arquería en el primer nivel permite ampliar el espacio de la plaza, a la vez que ofrece protección contra el extremo calor y la lluvia.

Destacan también algunas estructuras religiosas, como la Iglesia del Sufragio y la neoclásica Collegiata (1864-74), ambas enfrentándose perpendicularmente, y vinculándose espacialmente a través de sendos atrios.

Sin embargo, el hito principal de la ciudad es la Fortaleza Malatesta, también llamada "Fortaleza de la roca". Por su estructura, materiales, morfología y color, el bastión parece ser una extensión del peñón que la soporta.

Entre los siglos XII y XVI esta fortaleza románica se desarrolló como el bastión de los Malatesta, una infame familia de condottieri (mercenarios) que ejerció el control de la provincia Emilia Romagna. El propio Dante Alighieri, en su celebérrima obra Divina Comedia, grafica en uno de los infiernos con el caso de Giacionto Malatesta, quien dio muerte a su esposa Francesca y su amante Paolo, a quienes encontró in-fraganti (por supuesto, en la versión de Dante los castigados en el infierno son los amantes, no el asesino).

La Rocca Malatesta. Foto cortesía de Riviera di Rimini.

El conjunto, construido en el siglo XV sobre los restos de una fortaleza del siglo XIII, se compone de una serie de habitaciones dispuestas en torno a un espacio oblongo, presidido por una torre de vigilancia.

Destaca también el Gran Salón, que guarda el árbol genealógico de los Malatesta. Es una habitación de planta rectangular, coronada por un techo de vigas de madera.

Este bastión fue inexpugnable durante siglos, al punto de que sólo pudo ser conquistado en 1462 por Federico Montefeltro, usando un ardid similar al Caballo de Troya.

Federico Montefeltro es este señor que Piero de la Francesca retrató como una de las obras emblemáticas de la pintura Renacentista (1465-66). La particular forma de su nariz se debe a que, luego de perder un ojo en un torneo, se hizo "operar" la nariz para ampliar su rango de visión. El otro lado de la cara estaba horriblemente deformada.

Pero, amén de las características arquitectónicas de sus edificios, lo que mas me impresionó de Verucchio fue la forma como todos los diferentes componentes de este burgo se articulan armónicamente, a pesar de provenir de diferentes épocas y pertenecer a diferentes estilos.

Contribuyen a esa armonía el diálogo entre los materiales -ladrillo, piedra, tejas- los elementos construidos y los espacios abiertos, hábilmente dispuestos para dejar entrever vistas del paisaje circundante (hemos visto un caso similar en la ciudad de Siena).

Lo construido y lo vacío se intercalan por momentos para permitir la permeabilidad entre el paisaje y el espacio urbano.

Este delicado balance es a la vez topológico, es decir, que permite fomentar las relaciones entre los distintos componentes de un lugar, y topofílico, es decir, que expresa los íntimos lazos entre los habitantes y el ambiente.

Tal vez el lector se preguntará "todo esto es muy bello, bucólico, para los ojos de un turista, pero debe ser difícil vivir aquí, lejos de los servicios y comodidades de la vida moderna." Sin embargo el equilibrio armónico no es sólo estético sino económico y productivo. El viejo pueblo de Verucchio se apoya en el nuevo pueblo, que concentra la mayoría de servicios y edificios contemporáneos.

Los planificadores han tenido el buen criterio de no asfixiar a la ciudad con un crecimiento moderno, si no plantear dos asentamientos rodeados por un área rural, evitando convertir a la ciudad vieja en un museo momificado, sino crear una ciudad policéntrica que complemente los aspectos culturales, históricos, económicos y productivos del territorio.

"¿Cómo se hace un buen paisaje? Confieso no saberlo. ¿Cómo hicieron el paisaje de las colinas italianas, sembradas y boscosas al mismo tiempo? ¿Cómo le pusieron torres en las crestas y sembradíos en las laderas, pueblos en las pendientes mayores y áreas protegidas en los bordes de ríos y arroyos, en los bosques altos, en las cimas de las montañas?
El tema crucial es que este paisaje no es natural. Es absolutamente fatto dalla mano degli uomini [hecho por la mano de los hombres], como decía la marca que acuñó Italia hace años."
Rubén Pesci, Ambitectura

Verucchio. Acuarela de Carlos O. Zeballos Barrios.

VER TAMBIÉN- CIUDADES MEDIEVALES EUROPEAS.

- FORTALEZAS.

Cari Caroline, Remo e Auro. Grazie a voi ho potuto conoscere questo posto meraviglioso. Tanti auguri!

LAS CATACUMBAS DE SAN CALIXTO, ROMA

2011-12-22T19:00:00.013+09:00

Cripta de Santa Cecilia en las Catacumbas de San Calixto.

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Hoy es 24 de diciembre, el décimo mes, y aquí, en Roma, muchos se preparan para las festividades de mañana. Sin embargo, para nosotros, una comunidad de hermanos cristianos, hoy es un día triste. Ha muerto un hermano nuestro, un verdadero mártir de nuestra fe y vamos a enterrarlo en las galerías subterráneas en las afueras de la ciudad. Porque, a diferencia de los paganos que incineran a sus muertos, nosotros los cristianos enterramos a los nuestros, pues creemos en la resurrección de los muertos y en la venida de Nuestro Señor. Ayer un cristiano griego me hablaba de una nueva idea propugnada por su grupo o sector [secta]: que todos tenemos un ánima, una psyche, y que si cumplimos la palabra nos iremos al "Cielo". Yo no entendí bien, yo sólo sé que resucitaremos y habitaremos el Reino de Nuestro Señor, que está pronto a venir.

Un mercader nabateo que viene de Petra se mostró sorprendido:
- "¿Porqué se reúnen los cristianos en esas 'catacumbas'?" - me preguntó en su mal latín. "¿Es que acaso temen que los romanos los persigan y los maten?"
- "No." -le respondo- "Las 'cata tumbas' o 'entre las tumbas' son cementerios. Aunque ocasionalmente hacemos celebraciones y procesiones ahí, son galerías demasiado oscuras y el olor de los cuerpos es a veces insoportable. Y no son secretas, están al lado de la Vía Apia que es muy concurrida, todo el mundo sabe que están allí."
- "Pero, ¿porqué las han construido?"
- "La razón es que no se permiten enterrar cuerpos dentro de la ciudad, y ya que los cristianos somos pobres o esclavos, no tenemos dinero para hacernos sarcófagos o mausoleos y por eso somos enterrados en esas galerías".
- ¿Pero hacer esos socavones no es más caro?
- No, el subsuelo es blando [toba volcánica]- y hay mucha gente dedicada a eso [fossor].
- "¿Y cuántas catacumbas hay en Roma?"
- "Unas 50. Hay también otras galerías para judíos y romanos pobres."

Esquema de las catacumbas en torno a la Vía Apia

Mi mirada se extravía pensando en que, si bien ahora el cristianismo es permitido, muchos romanos nos discriminan por nuestro nivel social y por nuestras costumbres. Por ejemplo, nosotros no solemos bañarnos en las termas, ni vamos al Coliseo, como ellos. Nos consideran sucios, fastidiosos y fanáticos. Nosotros sólo queremos que conozcan la verdadera fe, pero si bien no hay tantas persecuciones a gran escala como antes, a menudo hay roces, atropellos y hasta asesinatos, como le ocurrió a nuestro hermano.

Me despido de mi amigo nabateo y me aúno al pequeño cortejo fúnebre. Tras pasar las murallas aurelianas, de reciente construcción y que reemplazan a las antiguas murallas servianas, avanzamos a lo largo de la magnífica Vía Apia, que llega hasta Calabria. En el camino nos cruzamos con mercaderes, viajeros y un grupo de legionarios, lo cual es lógico ya que esta calzada empedrada y recta fue construida principalmente con fines militares.

Murallas Aurelianas, construidas a partir del 271 d.C.

Via Apia

Campiña romana

A los costados la adornan numerosas estatuas, mausoleos, y monumentos, uno de los más impresionantes es la tumba de Cecilia Metella, una estructura cilíndrica ubicada sobre un promontorio y que domina la campiña romana, a veces surcada por hileras de cipreses.

Tumba de Cecilia Metela, al lado de la Vía Apia

Pero nosotros no llegaremos hasta allí, mi compañero mártir será enterrado en las galerías de San Calixto, que están a una milla y media de la muralla [una milla equivalía a mil pasos, es decir 1.48 km].

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San Calixto fue un Papa que también murió por su fe, el primer Papa mártir después de San Pedro.

El área de San Calixto tiene dos partes: el cementerio de Calixto propiamente dicho y las Criptas de Lucina, que consta de dos galerías interconectadas por un pasaje subterráneo.

Catacumbas de San Calixto alrededor del 200 d.C. (izquierda) y tras su expansión en el 220 d.C.
A y B son las galerías originales. C. Cubículo de Orfeo. D. Cripta de los Papas. E. Capillas Sacramentales. Fuente: Arte y arquitectura paleocristiana. Robert Milburn.

El proceso de construcción de las galerías es muy interesante. Primero se trabaja sobre el terreno ya designado como cementerio [a menudo perteneciente a una familia cristiana o regalada a los cristianos]. Desde la superficie fueron cortando las escaleras que dieron paso dos túneles horizontales [ambulacra], de unos 4 pedis de ancho [1 metro; 1 pie romano=29.6 cm ] por unos 5 o 6 cubita de alto [2.5 metros; 1 codo= 44.3 cm]. En las galerías se disponen hileras de nichos [loculi] a los costados, sellados con lápidas de mármol o tierra cocida [terracotta].

Loculi

Cuando el espacio correspondiente al terreno se llena, entonces se crean nuevas escaleras y se excava un nuevo nivel. Cuando hay suficientes nichos, se excava un tercero, y así sucesivamente. Las galerías son reforzadas con arcos y bóvedas, para evitar derrumbes. Es preferible excavar más niveles antes de hacer más nichos por nivel, por riesgo de colapso. [San Calixto llegó a 7 niveles y 23 m de profundidad]. Por ese motivo, las tumbas más antiguas están en los primeros niveles, y las más nuevas están en los niveles más profundos.

Sección esquemática de las catacumbas

Pero nuestro hermano no será enterrado en un nicho. Él murió como un mártir y será enterrado en una cámara [cubiculum]. Las cámaras tienen un pequeño retiro y se alojan bajo un arco. Pertenecen a familias pudientes o son reservadas para mártires. Las cámaras son luego revestidas con yeso y pintadas. Algunos afortunados son enterrados radialmente en torno a los mártires [retro sanctos]… yo quisiera tener ese privilegio. Otro tipo de tumbas son los nichos curvos [arcosolium] y las capillas decoradas con frescos [cryptae].

Cubiculum

Arcosolium

Hay varios salones que son realmente hermosos. La Cripta de los Obispos Mártires [hoy conocida como Cripta de los Papas] es el lugar donde se enterraban los obispos de Roma y está formada por una gran bóveda.

Cripta de los Papas

Otra cripta muy hermosa es la de Santa Cecilia, otra mártir de nuestra época que yace enterrada aquí.

Cripta de Santa Cecilia. Sus restos fueron trasladados en 820 a la basílica que lleva su nombre. La estatua que se ve es una réplica de la escultura barroca de Stefano Maderno (1636)

Al interior muchos artistas cristianos han decorado las paredes con representaciones de Jesús y temas alusivos. Los judíos nos acusan agriamente de idólatras, ya que su religión, de la cual viene la nuestra, prohibe las representaciones humanas. Pero, ¿qué puedo decir? Somos romanos, el arte está en nuestra sangre y esta es la forma de expresar nuestra fe. Eso sí, no somos tan diestros como aquellos artistas paganos que decoran las viviendas de los grandes señores. Somos gente humilde, con poca educación, pero hacemos nuestro mejor esfuerzo en condiciones de difícil iluminación.

Representación de la multiplicación de los panes.

Sin embargo, algunos artistas que solían decorar las villas con figuras de Apolo, ahora, tras su conversión, hacen las mismas figuras representando a Jesús.
Otras representaciones son más simbólicas: el alfa y omega [Alfa A/α y Omega Ω/ω son la primera y la última letra del alfabeto griego] representan el principio y el fin; el Crismón con las primeras letras del nombre de Cristo [el monograma de Cristo está formado por las letras griegas X (ji) y P (ro), las dos primeras de la palabra Χριστός (Cristós, "el Ungido")] y el pescado, que en griego es ΙΧΘΥΣ y es un símbolo que se usaba en tiempos de las persecuciones [ICTYS son las siglas de "Iesus Cristos Teo Yios Soter", que significa "Jesús Cristo, Hijo de Dios, Salvador"].

Crismón

Y es que el idioma más hablado entre los cristianos es el griego, no el latín [los antiguos evangelios y las epístolas de Pablo fueron escritas en griego, lo mismo que el primer Nuevo Testamento oficialmente aceptado en el Concilio de Nicea (325 d.C.). Sería San Jerónimo el primero que tradujo la biblia al latín, en el 405, desde la Iglesia de la Natividad en Belén].

En el nivel más bajo la oscuridad es total, apenas si nos alumbramos con las antorchas. Estar entre las tumbas me produce sentimientos encontrados: por un lado, me aterra la oscuridad ya que alguna vez, siendo más joven, me quedé extraviado varias horas en absolutas tinieblas, envuelto por el estremecedor silencio de la muerte.

Sin embargo, cuando vengo con mis hermanos, tengo la sensación de estar realmente en comunidad, lejos de las burlas y las críticas de los paganos. Algunos hermanos vienen a visitar a sus familiares, a los mártires y santos, y hasta organizan comidas conmemorativas [refrigeria].

Nuestro hermano ya descansa en paz y estará entre los primeros en resucitar cuando el Reino de Nuestro Señor venga a nosotros. En el camino de regreso a Roma nos topamos con mucha gente que va a la ciudad por las festividades. Hoy es el día más corto del año y mañana, 25 de Diciembre, será como si el sol hubiera vuelto a nacer, por lo que los paganos se entregarán a grandes celebraciones en el festival de Dies Natalis Solis Invicti, el "Día del Nacimiento del Sol Invencible". Pero para nosotros, los cristianos, esa fecha simboliza el Nacimiento de Cristo, el Invencible.

***

Nota: este no es un blog sobre religión ni el propósito de este post es necesariamente apostólico. La idea es, basándome en datos históricos, proponer una reseña de un monumento arquitectónico tal como la narraría un cristiano romano a fines del siglo III.
Sirva la ocasión, además, para desearle felices fiestas navideñas y muchos éxitos para el año venidero.

Fuentes:
- Early Christian art and architecture. Robert Milburn
- Wikipedia y varios sitios en la web.
- Visita a las Catacumbas de San Calixto, Roma. 02 de Marzo de 2006.

VER TAMBIÉN
- ARQUITECTURA PALEOCRISTIANA

Las Catacumbas de San Calixto son uno de esos lugares que transmiten espiritualidad más allá de una determinada religión. Cristianos de todas las denominaciones, musulmanes, judíos y no creyentes las visitan cada año.
Junto a Jan, Hugo y Arnel (que tomó la foto) durante nuestra visita.

EL ÁGORA DE ATENAS VS. EL FORO ROMANO

2011-12-13T20:53:00.001+09:00

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"El ágora griega establece una tipología formal, el foro romano concreta el simbolismo de la plaza como punto central en los significados de una arquitectura y una sociedad esencialmente urbanas. Mientras el ágora griega contribuía a dar al ciudadano conciencia de sí mismo, el foro romano daba conciencia de sí mismo al Estado".
Juan Carlos Pérgolis en su libro "La Plaza. El centro de la Ciudad"

Es ineludible establecer un paralelo entre el ágora, el espacio público desarrollado por los atenienses, y el foro romano. De hecho, es posible que el espacio romano haya tenido influencias de su equivalente griego, una teoría reforzada por el hecho de que en las ciudades etruscas (antecedentes de las romanas) no se han encontrado vestigios de un espacio público similar. Después de todo, el ágora era, como el foro, el espacio público más importante de la ciudad, donde los habitantes solían reunirse para debatir aspectos importantes de sus comunidad.

Vista aérea del Foro Romano

En términos de su relación con el paisaje, es posible establecer semejanzas entre el ágora ateniense y el foro republicano. Ambos espacios se ubicaban en terrenos planos en la proximidad o rodeados de colinas (el foro se construyó sobre un pantano desecado), y la forma en que las edificaciones se aglomeraron en el foro primitivo en torno a la colina Capitolina evocan a la conformación urbana cercana a la colina de Ares en la temprana ágora. Cabe destacar, sin embargo, la presencia imponente de la Acrópolis, un hito simbólico y visual que no existía en Roma y que determinó la conformación de la circulación así como el uso del espacio público ateniense.

Grabado del ágora con la Acrópolis al fondo

En etapas posteriores los foros imperiales aparecen como construcciones mucho más definidas, geométricas, y enclaustradas, estableciendo una sucesión de espacios independientes. Esta racionalidad geométrica es también observable en foros de ciudades romanas como Gerasa y Cesarea, o romanizadas, como Petra. Me pregunto si la construcción del Odeion de Agripa en pleno centro del ágora no habría sido un intento del imperio por controlar el espacio urbano que aparecería demasiado "abierto" para los ojos romanos.

Odeion de Agripa en Atenas

En general, el antiguo foro romano compartía con el ágora griega el carácter comercial del espacio, añadiendo por actividades cívicas y religiosas, e incluso lúdicas, ya que eventualmente se celebraban aquí juegos durante la República, aunque posteriormente fueron sólo las procesiones de apertura o pompae.

Espacio monumental en el foro romano

Sin embargo, particularmente en la etapa imperial, el foro romano evolucionó como un ámbito de celebración y conmemoración, tanto en términos funcionales como simbólicos, de allí el carácter monumental en el espacio de éste último. El foro se convirtió en un impresionante espacio propagandístico del poder imperial, y por este motivo que las funciones comerciales fueron relegadas a un sector de éste. De forma similar, en Atenas, los romanos prohibieron el mercado en el ágora original, creando la llamada "ágora romana" para fines comerciales.

Ágora romana en Atenas. Al fondo, la Acrópolis

Edificios religiosos también se ubican en ambos espacios urbanos, donde sirven una variedad de funciones simbólicas. Hefesto, el dios del yunque y la forja, presidía el ágora en Atenas, mientras que en Roma, Minerva, patrona de las artes y oficios, era honrada en el Foro de Nerva. Sin embargo es notoria la diferencia en la escala de sendas edificaciones religiosas, siendo las romanas notoriamente más monumentales, por motivos propagandísticos.

Hay también diferencias arquitectónicas entre los templos del ágora y el foro, a pesar de que es evidente la influencia ateniense en los edificios romanos. Sin embargo, mientras los atenienses ubicaron el templo de Hefesto sobre un krepidoma o plataforma a la que se podía acceder desde cualquier lado, como era usual en los templos griegos, en el caso romano el acceso era únicamente frontal, mediante una escalinata que conducía a un templo ubicado en un pedestal mucho más alto y prominente.

Templo de Hefestos, Ágora

Templo de Antonio y Faustina en el Foro Romano,

En realidad, si bien ambos espacios aparecen como el corazón de sus respectivas ciudades, sus diferencias de escala, formales, espaciales y funcionales expresan claramente el tipo de sociedad a la que representaban. Estas diferencias no sólo son patentes entre el ágora y el foro, sino en la evolución del foro republicano a los foros imperiales.

Hay, finalmente, mayor complejidad en el desarrollo del foro que en el caso del ágora, expresada en la distribución espacial (sucesión de plazas y claustros), la conformación de la edilicia (con tipologías como la basílica, por ejemplo), el desarrollo paisajístico (que incluía elementos conmemorativos como arcos y columnas) el uso de materiales (como el ladrillo y el concreto) y técnicas constructivas (como el árco y la bóveda).

No hay que olvidar, sin embargo, la gran influencia que recibieron los romanos de los griegos, tanto por la influencia cultural que ejerció Atenas sobre Roma, como por la participación de numerosos arquitectos y constructores griegos en la realización de varios edificios y monumentos romanos.

VER TAMBIÉN
- ARQUITECTURA GRECO ROMANA

ÁGORA DE ATENAS. ARQUITECTURA.

2011-12-05T12:12:00.004+09:00

ENGLISH

En la entrada anterior revisamos el proceso histórico de la conformación urbana del Ágora ateniense. En esta oportunidad revisaremos 4 edificios representativos de cada época, y que han llegado, unos más que otros, hasta nuestros días. Éstos son: Templo de Hefestos (época clásica,) la Estoa de Átalo (época helenística), el Odeion de Agripa (época romana) y la Iglesia de los Santos Apóstoles (época bizantina).

TEMPLO DE HEFESTOS O HEPHAESTEION (449-415 a.C.)

Pese a ser el edificio más antiguo que se conserva del ágora, construido en la segunda mitad del siglo V a.C. es el templo dórico mejor preservado en toda Grecia continental.

Su ubicación sobre la pequeña colina Kolonos Agorarios le da una privilegiada visual del conjunto, a la vez que le permitía sobresalir dentro del perfil urbano del ágora.

Estaba dedicado al Hefesto, dios del fuego y la forga (cuyo equivalente romano fue Vulcano) y Atenea, diosa de las artes y oficios. De allí que cerca al templo existían varias tiendas dedicadas a la confección de objetos de metal.
El templo, de 31.8 m x 13.7 m, consta de un pronaos o pórtico que precede a una cella central orientada de este a oeste y rodeada por una columnata de 6 columnas dóricas frontales y 13 laterales (contando dos veces las columnas de las esquinas).

Planta original del Templo de Hefesto y tras su conversión en iglesia.

Como se recuerda, las columnas dóricas no tienen basa (se apoyan directamente sobre el estilóbato, el tercero de los tres escalones que conforman el krepidoma o la plataforma sobre la que se alza el templo).

Su fuste es estriado y robusto, más ancho en su parte inferior y está compuesto por varias piezas a modo de tambor perfectamente engarzadas entre sí.

Su capitel es simple, formado por tres partes: un collarino, un equino (una semiesfera invertida aplanada) y un ábaco (una caja achatada). Curiosamente, para el investigador Dr. Robert Garland el orden dórico y no el orden corintio proviene de Corinto.

Los entablamientos se hallan decorados con motivos bélicos: en el lado este se grafica a Heracles y en el oeste a Teseo. Por esta razón, por muchos siglos se pensó que este sería el templo de este último y se le llamó Theseion, cuando se desconocía la ubicación real del ágora.

Además, hay evidencias de que el templo habría estado rodeado de jardines, probablemente en el periodo helenístico.
Posteriormente en el siglo VII el templo se convirtió en la iglesia de San Jorge Akamates (he allí la razón de su excelente estado de conservación), para lo cual se añadió un ábside posterior en el lado este (por donde sale el sol) donde se ubicó el altar, además de un transepto. Sin embargo, algunas figuras mitológicas fueron mutiladas, excepto un minotauro en la zona sur que ha mantenido su cabeza. La iglesia fue demolida para poder apreciar el templo original.

ESTOA DE ÁTALOS

Las estoas son los edificios cívicos griegos por excelencia. Acomodaban funciones comerciales y proveían de un elemento fundamental en el tórrido mediterráneo: protección contra el tórrido sol en el verano y de la lluvia en el invierno.

La Estoa en mención, de 115 m x 20 m, se ubicaba solitaria definiendo el borde este del ágora. Fue realizada por el rey Átalo II de Pérgamo (158-138 a.C.), quien estudiara en Atenas y, en homenaje a la ciudad que amaba, le regaló un centro comercial.

El edificio seguía la tipología típica de la estoa: una hilera de 42 cuartos comerciales precedidos por una doble columnata dórica y jónica que sostenía un techo de madera. El mismo patrón se repetía en un segundo nivel. La columnata proveía de ventilación y sombra a los ambientes sin privarlos de suficiente iluminación.

Se usó mármol Pentélico blanco y Himetano azul, junto con piedra caliza para las paredes. Posteriormente también se cubriría de mármol el piso que comunicaba a la adyacente Ágora Romana.

El edificio siguió en funciones por varios siglos, hasta que fuera parcialmente destruido por los Hérulos en 267 d.C. pero fue completamente restaurado entre 1953-57 por la Sociedad Americana de Arqueología (a quien debemos el descubrimiento del ágora y sus sistemáticos estudios y excavaciones por más de 75 años). La restauración incluyó un sótano de almacenamiento, un museo en el primer nivel y oficinas y talleres en el segundo.

ODEION DE AGRIPA
Ubicado en el centro del espacio público, este gran salón de conciertos o oideion fue un regalo a los atenienses de Agripa, el general y sobrino del emperador Augusto, y aquel que también construyera el primitivo Panteón en Roma.

El Odeion, construido en el 15 a.C. era una enorme estructura de dos pisos con capacidad para 1000 espectadores y contaba con una orquesta de mármol y un escenario elevado. Esta rodeada en tres lados por un cryptoporticus (una columnata subterránea), sobre el que se ubicaban pequeñas estoas.

Izquierda: Planta original del Odeion de Agripa. Derecha: adiciones durante el periodo romano tardío (siglo V d.C.), cuando se convirtió en parte de un complejo palaciego.

Sección

Sin embargo, el edificio colapsó cerca a 150 d.C. debido a la gran envergadura del auditorio (25 m) pero fue reconstruido como un salón de lectura con capacidad para 500, con una fachada norte más elaborada que la anterior, incluyendo unos pilares con esculturas de gigantes (hombres con cola de serpiente) y tritones (hombres con cola de pez) que han sobrevivido hasta hoy.

LA IGLESIA DE LOS SANTOS APÓSTOLES

Esta pequeña y bien conservada iglesia data de alrededor del año 1000 d.C. y dada su antigüedad y excelente estado de conservación se decidió restaurarla (a diferencia de otras iglesias más recientes que se erguían en el terreno del ágora y que fueron demolidas durante las excavaciones).

La planta original mantiene la planta en cruz griega, en la que los cuatro brazos de la misma son básicamente iguales (a diferencia de la cruz romana de otras iglesias europeas, en que uno de sus brazos se extiende considerablemente más que los otros tres). Sin embargo tiene características únicas, ya que cada lado termina en un ábside semicircular.

La cúpula central es soportada por cuatro columnas centrales .
Las paredes exteriores están adornadas con un ladrillo decorativo llamado “cúfico”,.

En tanto, el interior se adorna con frescos que datan del siglo XVII.

***

En la próxima entrega comentaremos algunas comparaciones entre el Foro Romano y el Ágora Ateniense.

VER TAMBIÉN
- ARQUITECTURA CLÁSICA

Conteniendo el aire frente al Templo de Hefestos.

EL ÁGORA DE ATENAS. URBANISMO.

2011-11-30T12:51:00.002+09:00

ENGLISH

El Ágora griega es el referente más antiguo del espacio público occidental y, junto con el Foro romano, antecesor de nuestras plazas. Era a la vez un mercado, la sede de gobierno, un centro de culto, un área de trabajo y un lugar para espectáculos. Pero mucho más que eso, fue la cuna de la democracia (aunque ejercida solamente por varones libres) y el ámbito donde sabios como Sócrates, Platón, Eurípides, Sófocles, etc., tan influyentes en el desarrollo de nuestra civilización, discutieron sus ideas.

Sin embargo, el Ágora de Atenas no fue un espacio rígido y fue cambiando a través de más de 5000 años de historia, particularmente bajo la influencia helenística y romana. Con el paso de los siglos fue cubriéndose de tierra e invadida por casas e iglesias, al punto que hasta 1930 nadie sabía dónde quedaba el ágora ateniense.

Tal como en otros ejemplos del mundo clásico desarrollados en este moleskine, como Petra o los Foros en Roma, dividiremos esta entrada en dos partes: la primera dedicada al desarrollo urbano histórico del Ágora ateniense y la segunda centrada en la arquitectura de sus más notables edificios aún visibles. Finalmente, dedicaremos un post a hacer una comparación entre el ágora griega y el foro romano.

EMPLAZAMIENTO
El Ágora se ubica en un terreno que va ascendiendo paulatinamente hacia el sur.

Cabe destacar que el Ágora era un espacio sagrado y por ello perfectamente delimitado por unos hitos o horos, que rezaban “Soy el límite del ágora”. Su carácter sacro impedía, por ejemplo, que algunas personas, como niños, impíos, delincuentes o forasteros, entraran a este espacio.

Ver ubicación en Google Maps

Es imposible definir al ágora sin referirse también al paisaje circundante. El espacio interactúa con dos colinas que destacan en medio del relieve plano. El más cercano es el Areópago, Aerios pagos o la “Colina de Ares”, donde se reunía el Consejo o el Tribunal de Apelación, y desde donde San Pablo diera un enardecido discurso. Pero sin duda el más prominente era la Acrópolis (lit. “sobre la ciudad”), a la que espero referirme en un futuro post. Además, junto al ágora hay un promontorio llamado Kolonos Agoraios, sobre el que se asentó el templo a Hefesto.

Vista general del ágora, con la Vía Panatea que la cruza y las colinas sagradas: Aerópago y Acrópolis.

La intensa relación entre el ágora y la Acrópolis no era sólo visual –que es de por sí bastante intensa ya que el perfil del Partenón se percibe en todo momento- sino también funcional: el espacio era surcado en diagonal por una avenida llamada Vía Panatenea, la cual unía a la Acrópolis con la Puerta de Dypilon, ubicada en el borde noroeste de la ciudad. Además de ser un espacio donde se llevaban a cabo espectáculos, juegos y carreras, la Vía Panatenea era también el inicio de un ascenso procesional hacia la Acrópolis.

1. Acrópolis. 2. Areópago. 3. Pnyx. 4. Eleusinion. 5. Casa de la Fuente Sudeste. 6. Prisión. 7. Ágora Romana. 8. Biblioteca de Pantainos. 9. Aiakeion. 10. Casa de la Fuente Sudoeste. 11. Estoa Media. 12. Odeión de Agripa. 13. Estoa de Átalos. 14. Biblioteca de Adriano. 15. Monumento a Bema. 16. Tholos. 17. Monumento a los Héroes Epónimos. 18. Metroon. 19. Bouleuterión. 20. Templo de Hefesto. 21. Vía Panatenea. 22. Templo de Ares. 23. Templo de Apolo Patroos. 24. Arsenal. 25. Estoa de Zeus. 26. Altar de los 12 dioses. 27. Estoa Real. 28. Estoa Poikile. 29. Santuario de Afrodita. 30. Calle de los Kerameikos.

HISTORIA
El terreno ocupado por el Ágora tuvo un significado simbólico desde tiempos prehistóricos hasta después de la caída del Imperio Romano.

ÉPOCA NEOLÍTICA – EDAD DE BRONCE (3200 A.C. – 1100 A.C.)
Las primeras evidencias de ocupación de la zona datan del periodo Neolítico, cerca de 3000 a.C., correspondientes a unos pozos en los que se habían encontrado cerámicas.
En el periodo Micénico (1600-1100 a.), la Edad de Bronce griega, se encontraron varias cámaras funerarias en el área donde se desarrollaría el Ágora, así como cerca de la colina Areópago. Al final de este periodo se empezaron a edificar viviendas.

PERIODO ARCAICO (700-480 A.C.)
Durante el siglo 6 a.C. una serie de eventos políticos demandaron la creación de un espacio público, por lo que el estado expropió esta área para la creación del Ágora (que significa “asamblea” o “espacio abierto”). Para ello se derribaron las casas y el área fue objeto de un intenso embellecimiento paisajístico, incluyendo el desarrollo de la Vía Panatea donde empezaron a realizarse grandes juegos.
La configuración espacial en esta época era poco delimitada. Los primeros edificios públicos empezaron a construirse orientados hacia el oeste, adosados a la colina Kolonos Agoraios pero sin ningún ordenamiento particular, y frente a ellos se ubicaba una amplia explanada abierta.

Estos edificios incluyen:
El Pritanikon, un edificio de planta irregular, compuesto por varias habitaciones dispuestas en torno a un patio con columnas.

El templo de Apolo Patroos, un pequeño templo de 16 x 10 m, presidido por columnas de orden jónico y destruido por los persas en el 480/479 a.C.

El Altar de los Doce Dioses (cerca a 520 a.C.), ubicado en la esquina noroeste. Este último era un simple recinto cuadrangular, abierto en dos extremos y con un altar en el medio. Sin embargo simbólicamente era referido como el centro de la ciudad, al punto que las distancias a Atenas se “medían” desde allí.

Posteriormente, ya instituido el gobierno democrático, se erigieron:
El Antiguo Bouleuterión, que era la sede del Consejo de los Ciudadanos (boulé) donde se reunían los concejales, y que posteriormente fuera ampliado para convertirse en el Metroon, el templo a la Madre de los Dioses.

La Stoa Basileios o Estoa Real, la sede del rey (quien más que un monarca era una autoridad religiosa), también en la esquina noroeste, una edificación pequeña en comparación con las estoas que se construirían en épocas posteriores.

Las estoas eran construcciones públicas sencillas, de planta rectangular, compuestas por un espacio cubierto de madera y precedido por una columnata que ofrecía un área de protección contra el sol.

PERIODO CLÁSICO (480-323 a.C)
La reconstrucción tras la derrota persa provocó el desarrollo de muchos edificios que consolidaron el borde oeste y el sur, conformando un espacio triangular delimitado por la Vía Panatenea. Se construyeron dos grandes estoas, una hacia el oeste dedicada al dios Zeus y otra al sur. El edificio más importante de la época fue el templo de Hefesto, que se yergue sobre la colina y al que trataremos en más detalle en el próximo post.

Otros edificios notables fueron:
Nuevo Bouleuterión
Por lo menos 500 ciudadanos eran elegidos para participar en la asamblea o ekklesia (de donde viene la palabra iglesia). Para este fin, en un edificio de 50 m de largo se inscribía un auditorio dispuestos en forma de anfiteatro. El ingreso, definido por una columnata de orden jónico, se ubicaba perpendicular a esta nave, y conducía a un claustro rodeado de columnas.

Tholos
Es el único edificio de planta circular en toda el ágora y era la sede de los pritanos o comité ejecutivo de la Boulé, usado principalmente como sala de banquetes. Construido en 470 a.C. era un cilindro con 6 columnas interiores y un techo cónico cubierto con tejas de terracota en forma de diamante.

Monumento a los Héroes Epónimos: Construido al final del siglo V a.C. era un grupo escultórico de singular importancia, representando a los miembros que dieron sus nombres a las 10 tribus atenienses

Vista del Monumento a los Héroes Epónimos. Atrás se ve el Metroon y el Tholos.

PERIODO HELENÍSTICO (323-86 a.C.)
El ágora obtiene un gran desarrollo, pese a que los griegos son dominados por los macedonios. Espacialmente el ágora define un cerramiento contundente gracias a la creación de la estoa de Átalo hacia el este (que desarrollaremos en el próximo post), la consolidación del Metroon (150 a.C.) hacia el oeste y una nueva estoa al sur, definiendo una pequeña plaza interna. Al definirse el espacio, el ágora adquiere monumentalidad.

Plaza del sur: este relativamente pequeño y oblongo sub espacio dentro del ágora era usado como un mercado comercial. Estaba definido por dos estoas alargadas:
La Estoa Media, ubicada al norte con 147m de largo por 17.5 de ancho (160 a.C.)
y la Estoa Sur II (aprox. 150 a.C.), que se ubicaba paralela a la Estoa Media y que reemplazaba una antigua estoa Sur I construida en época clásica.
La plaza estaba flanqueada a un lado por el Edificio Este y hacia el oeste por el Aiakeion, un edificio que databa de la época Micénica.

ÉPOCA ROMANA
En el 86 a.C. el general Silla tomó Atenas, destruyendo o dañando varios edificios del ágora, particularmente la Plaza Sur. Durante el reino de Augusto (27 a.C.-14 d.C) se inició la reconstrucción del Ágora de Atenas como un centro de culto imperial. Desde entonces no se permitieron actividades comerciales, que se trasladaron a una cercana “Ágora Romana”.
En esta época se continuó construyeron importantes equipamientos y, tal vez para demostrar el poder imperial romano, ocuparon una ubicación prominente en el espacio urbano.

Oideion de Agripa (15 a.C.), también conocido como el Teatro de Agripa, es un edificio grande y lujoso diseñado para presentaciones musicales, emplazado en el centro del espacio del ágora y que veremos en más detalle en el próximo post.

Biblioteca de Pantainos (100 d.C.): Dedicada al emperador Trajano por Titus Flavius Pantainos, esta estructura se ubica al borde de la Vía Panatenea, muy cerca de la Acrópolis, como para complacer más al emperador. Construida en un terreno irregular, está compuesta por una serie de habitaciones en torno a un patio rectangular.

Posteriormente, los romanos continuaron embelleciendo el ágora con templos y monumentos, como el Templo de Ares, un Monopteros circular y una casa de fuentes semicircular llamada Nympahion, en el extremo sureste del ágora.

En el 267 los hérulos saquearon Atenas y destruyeron el ágora. Pese a que algunos edificios fueron reconstruidos, Atenas recibió nuevos embates bárbaros al final del siglo VI, con lo que el área del ágora fue abandonada.

ÉPOCA BIZANTINA
En el siglo X se erigió la iglesia de los Santos Apóstoles, muy bien conservada a pesar de los siglos, y que revisaremos en el próximo post.
Hasta entonces

VER TAMBIÉN
- ARQUITECTURA CLÁSICA

KENGO KUMA: RESTAURANTE OMI, KIOTO

2011-11-28T12:48:00.005+09:00

Foto cortesía Kengo Kuma y asociados.

ENGLISH

Tal como lo hizo en su aplaudido Museo de Arte Suntory, Kengo Kuma es capaz de plantear arquitectura moderna pero utilizando la sutileza minimalista de la arquitectura tradicional japonesa para el pequeño restaurante Omi Steak house, localizado en el Hotel Internacional de Kioto (Kyoto Kokusai Hotel). No es un minimalismo frío, insensible, por el contrario, a pesar de su simpleza logra transmitir una atmósfera acogedora basada en texturas, iluminación y una integración al jardín vecino.

UBICACIÓN

El Kyoto Kokusai Hotel está ubicado frente al castillo Nijo, en Kioto. El hotel se organiza en torno a un jardín central de proporciones cuadradas. Hacia él se vuelcan los restaurantes, siendo uno de ellos el Omi Steak house diseñado por Kuma.

Ver ubicación en Google Maps

CONCEPTO

Además de estar integrado al lobby del hotel, el restaurante tiene un acceso directo e independiente hacia la calle. Kuma lo define con una valla de bambú y paja evocando la tradicional cerca shiba-gaki, acompañada de una pantalla inclinada compuesta por finas varillas de madera. Este panel, que se asienta sobre un lecho de gravilla de piedra, permite brindar una transición entre transparencia y opacidad.

Vistas desde el acceso por la calle.

Vistas desde el acceso desde el lobby, del que el restaurante se separa mediante otra fina pantalla

Una vez dentro del restaurante, (algo elevado del nivel del lobby y separado por un genkan donde se deja el calzado), lo primero que impacta es la plena integración visual con el jardín, a través de una mampara longitudinal. Las columnas que soportan la estructura del hotel, han sido de espejos, multiplicando visualmente la vegetación del jardín.

Una zona de recepción separa el área de los comensales, que no es visible sino hasta que se aproxima uno a ésta.

El concepto es bastante simple, pero no deja de ser impactante. Es una habitación cuadrada, cuya área de comensales rodea casi completamente al área de cocción. Sólo una pequeña puerta la comunica con la zona de la cocina.

El área de comensales ha sido elevada a fin de que el cliente se siente en el suelo de tatami -como manda la etiqueta en Japón- pero al mismo tiempo pueda sentarse y estirar las piernas. Una barra que en realidad contiene las brasas donde se fríe la carne, circunda a la cocina.

Foto cortesía Kengo Kuma y asociados.

Aquí el arquitecto aprovecha un volumen que se empotra en el techo para acomodar ahí extractores de aire, y lo ha recubierto con un acabado metálico que recuerda el wabi sabi o arte de las cosas no terminadas.

La iluminación, sutil pero muy estudiada, se focaliza tanto en una pared de papel como en la unión del techo con las paredes. Esta iluminación tenue de diversas tonalidades otorga al ambiente intimidad, dramatismo y ligereza.

El cielorraso está cubierto por una trama de listones es característico del trabajo del arquitecto, y que se prolonga hasta el jardín, enfatizando la integración interior-exterior, entre lo artificial y natural.

EL JARDÍN

DETALLES

En mi opinión, Kengo Kuma es en la actualidad uno de los arquitectos que mejor ha conjugado la modernidad con la tradición en la arquitectura japonesa.

VER TAMBIÉN:
- OTRAS OBRAS DE KENGO KUMA

- HOTELES Y RESTAURANTES

Para los viajeros que estén Kioto por unos días y desean visitar este restaurante pero tienen un presupuesto algo limitado, les recomiendo ir a almorzar, ya que las cenas aquí pueden llegar a ser muy costosas.

5to. ANIVERSARIO

2011-11-23T12:23:00.003+09:00

Presionar aquí si no puede ver el vídeo.

ENGLISH

Hace un quinquenio comencé este blog con la idea de que sea un espacio sobre arquitectura pero dirigido no solamente a arquitectos. Por tanto, más que analizar a los edificios como objetos, me interesaba enfatizar la relación del éstos con el sitio, con el paisaje circundante, y por esa razón era fundamental la visita a los lugares que he reseñado en esta bitácora. Además, en esa época los portales de arquitectura eran básicamente sobre edificios contemporáneos y trataban principalmente sobre temas en Europa occidental y EE.UU. Quise rebelarme un poco ante ambas situaciones e incluir edificios de valor histórico, así como áreas como Asia, Latinamérica y Oceanía.

En el camino (tanto en el virtual como en el real), he encontrado muchos amigos de cuya sapiencia me he nutrido constantemente: gente que he encontrado en los viajes, que me ha mostrado su cultura y sus formas de ver la arquitectura, y muchos otros en la blogósfera, -estudiantes, profesionales y otros blogueros -mucho más metódicos y eruditos que este blogger, por cierto.

Le agradezco profundamente por acompañarme en este periplo, y le invito a seguir hojeando las páginas de Mi Moleskine Arquitectónico.

VISIONES URBANAS PARA TOKIO 2050

2011-11-15T17:17:00.006+09:00

El tema del 24 Congreso Mundial de Arquitectura UIA 2011 fue el diseño en el 2050. Con este motivo, se inauguró la exposición “Tokio 2050/12 visiones para la Metrópolis”.
Resulta muy interesante comparar la forma cómo se pensaban las propuestas del futuro hace 50 años en la exposición del Movimiento Metabolista de los 60s, con las propuestas a futuro actuales. Es evidente un giro conceptual desde aquella monumentalidad casi mecánica, impulsada por un rápido y continuo crecimiento de Japón en la postguerra, hacia una propuesta más realista y que impulsa el contacto social y la sustentabilidad ambiental. En contraste con aquellas fantásticas construcciones que parecían traídas de una película futurista, hoy se busca enfrentar problemas concretos como la falta de espacios verdes, el envejecimiento de la población japonesa y su decrecimiento futuro.

ANTECEDENTES
Desde mediados del siglo XVIII, Tokio era la ciudad más importante y populosa de Japón incluso antes de ser elegida como su capital, en 1868. Su historia reciente ha experimentado devastadores terremotos como el de 1929, voraces incendios como los provocados por los bombardeos aliados en 1945, así como su propio proceso de transformación tras el crecimiento industrial de la postguerra. Su desarrollo económico la ha convertido en una de las regiones más densas del planeta (1000–5514 hab/km2), albergando una población metropolitana de 30 millones. Sin embargo, Tokio ha evolucionado más como una suma de partes, una acumulación de individualidades, que como una estructura integral y centralizada.
Desde el 2007 la población de Japón ha experimentado un decrecimiento, que se va incrementando con los años, debido al bajo índice de crecimiento y a la larga expectativa de vida (los japoneses son los más longevos del mundo). Se espera que la población en Japón se reduzca de 128 a 95 millones para el 2050, siendo 1 de cada 4 habitantes mayor de 65 años. Estos factores plantean nuevos retos a futuro para diseñar servicios para una población mayor.

VISIONES PARA LA METRÓPOLIS

Anillo Urbano de Tokio. El proyecto Machiya

Este proyecto trata de revitalizar la alta concentración de machiya o casas tradicionales, localizadas en un anillo periférico de 7,700 has en torno al área central.

Para ello se propone:
- Movilidad lenta, que permita incrementar los encuentros sociales, incluyendo buses, bicicletas y tráfico peatonal.
- Protección contra desastres naturales a través de la forestación de las calles.
- Sistemas de energía locales que refuercen las redes familiares.
- Proponer espacios que organicen las comunidades
- Ciudad de usos mixtos crea un estilo de vida compacto

Vida nómada en la Geometría de la Energía

Esta idea promueve Tokio como una ciudad reconstruida para promover el uso eficiente de energía. Además, con el desarrollo de nuevas formas de energía, ésta debería pasar al control local de la comunidad.

La población en decrecimiento conllevará a una sobre oferta de espacio habitacional, que sería explotado creando “casa de invierno” y “casas de verano”. La variación estacional en el uso de energía genera una geometría energética fluctuante en el espacio.

Fibercity

“Fibercity es un nuevo paradigma urbano en la era del encogimiento que busca consolidar ciudades y pueblos establecidos”.

Fibercity se basa en los siguientes principios:

Dedo Verde: “Green Finger” es una estrategia de reorganización de las áreas suburbanas severamente afectadas por la disminución de población. La estrategia propone una concentración gradual de franjas de vivienda suburbana en torno a las estaciones de tren y enverdecer las áreas circundantes, creando ciudades compactas vinculadas por el sistema ferroviario.

Red Verde: plantea convertir las funciones de tráfico del anillo central de la Autopista de Tokio Metropolitano tanto en vías de escape para emergencias como en vías verdes. También propone ensanchar el uso de la propiedad a lo largo de la vía para introducir sistemas de energía locales.

Partición verde: una serie de defensas arboladas que amortigüen el impacto de los desastres naturales y que funcionen como áreas recreacionales que complementen las áreas superpobladas en Tokio.

Arrugas urbanas: se propone repotenciar lugares lineales como viejos canales, áreas ribereñas, bulevares, terreno al lado de los viaductos, etc.

Imágenes cortesía de Fibercity

Tokyo Hinterland

Esta propuesta está basada en dos fenómenos que caracterizarán a las ciudades japonesas en el futuro: la expansión y la contracción.
Algunos ejemplos de expansión incluyen la renovación de bloques multifamiliares para que incluyan usos mixtos como oficinas y talleres, la configuración de medianas unidades comunales autónomas, el potenciamiento de islas rurales para sitios de micro agricultura, el fomento de pequeñas fábricas en la base de las autopistas, la construcción de parques lineales a lo largo del río Ara, etc.
En tanto, ejemplos de contracción serían la demolición y reforestación de sectores urbanos abandonados, instalación de paneles solares en autopistas, el acondicionamiento de viviendas abandonadas como alojamientos temporales.

Global Diaspora

“Diáspora Global” tiene una visión más práctica acerca del problema del decrecimiento poblacional japonés. Para ellos, una sociedad japonesa mayor, que requiere de asistencia para sus ancianos y fuerza laboral joven para su economía, encontraría una solución en la apertura del país hacia los migrantes.
La idea propone una serie de ciudades en torno a la Bahía de Tokio, vinculadas por un anillo de circulación: Freeway City, Hyper Intelligent City, Wall City, Hic & Kim, y South City.

Slowater City

Históricamente Edo fue una ciudad de canales, particularmente el área cercana al río Sumida, donde se hallaban villas de pescadores, templos y santuarios, áreas de esparcimiento, patios, etc.

Al convertirse en Tokio y luego de la modernización el área perdió mucho de este carácter original. Slowater permite revitalizar este ambiente acuático, su historia y legado y propone métodos para el desarrollo futuro de esta área, colocando al río Sumida como centro de “Water City” para el 2050. Esto permitiría el desarrollo de un área compacta conectada por un estilo de vida cultural, más placentero y lento.

***

Por razones de espacio, en este post he comentado solamente algunas de las ideas expuestas. El lector puede encontrar las 12 propuestas en la página oficial de la exposición.

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MUSEO HOKI, CHIBA

2011-11-07T14:10:00.008+09:00

ENGLISH

Con la claridad de sus líneas modernas, la contundencia de sus volúmenes que se superponen como un grupo de serpientes estilizadas, desafiando la gravedad a través de su espectacular voladizo, sensible, poderoso, sofisticado, el recientemente inaugurado Museo Hoki en Chiba se constituye en el más importante espacio para la exposición de arte realista en el Japón.

ANTECEDENTES

Masao Hoki, un magnate japonés, tenía una colección privada de arte realista, que mantenía una bóveda que construyó al lado de su casa. Dos veces al año solía mostrarla al público pero al acudir más y más visitantes se dio cuenta que debía construir un museo especial para albergar la colección. El Museo Hoki fue construido en dos años y culminado a fines del 2010.

Foto cortesía Hoki Museum

UBICACIÓN

En museo se ubica en la localidad de Toke, en la prefectura de Chiba, a dos horas de Tokio. Se trata de un terreno alargado ubicado frente al parque Showa no Mori, el más grande de la localidad.

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CONCEPTO

El museo, diseñado por el arquitecto Tomohiko Yamanashi de la compañía Nikken Sekkei, se basa en el concepto de galerías lineales superpuestas. En este moleskine hemos reseñado algunos museos lineales, como el Kiasma en Helsinki, por Steven Holl. En el caso del Hoki, dada la estrechez del terreno las largas barras simplemente acogen las galerías, especialmente dispuestas en barras curvas que adquieren una forma lenticular.

Este recurso aparentemente simple permite acomodar 500 m de espacio de exhibición a través de un nivel y dos sótanos, los cuales pueden ser recorridos secuencial o aleatoriamente.

Las barras culminan en amplios ventanales, los cuales se adentran para fines climáticos así como para enfatizar el carácter de las galerías como grandes tubos de sección cuadrada dispuestos unos sobre otros.

Exteriormente, la característica más singular del museo es, sin duda, la galería de acero que se extiende 30 m más allá de la estructura principal, y que constituye el voladizo más largo del mundo.

Para enfatizar más aún la sensación de liviandad de esta galería flotante, se le ha practicado una incisión lateral a manera de las tradicionales jimado japonesas (ventanas estrechas, alargadas y ubicadas en la parte inferior de la pared) que permite el ingreso de luz natural indirecta al interior del espacio.

Ventana ji-mado, exterior.

Ventana ji-mado, interior.

Detalles del voladizo

Un detalle que llamó mi atención es la alegoría que acompaña exteriormente a los largos volúmenes de concreto. Se trata de "jardines" de varillas de metal que evocan un conjunto de bambús y que recuerdan de una forma abstracta el compromiso del museo con su entorno natural. Además acompañan el recorrido del visitante hacia la entrada al edificio, que se encuentra lateralmente a mitad del volumen curvo.

Pero, a diferencia de otros museos donde la bella arquitectura termina opacando a las obras que contiene, en este caso el diseño busca facilitar la experiencia artística del visitante y reducir las barreras entre las obras de arte y el espectador.

Por ejemplo, las paredes carecen de los tradicionales rieles comunes en casi todos los museos, y las pinturas con sujetas a través de dispositivos magnéticos, aprovechando el carácter del acero .

Foto cortesía de Hoki Museum

La iluminación interior se logra a través de una constelación de luces LED, que se hallan técnica y artísticamente empotradas en el techo, y que además de tener un bajo consumo de energía, brindan una iluminación propicia para apreciar las pinturas, sin alterar la naturaleza de la luz. Esto se logra alternando luces blancas y ámbar.

Foto cortesía de Hoki Museum

Además, el piso está especialmente acondicionado para reducir el impacto sobre las rodillas y pies de los visitantes, logrando que el recorrido de este medio kilómetro de galerías pictóricas no resulte una experiencia agotadora.

Foto cortesía de Hoki Museum

Unas graderías especiales nos conducen hacia las galerías subterráneas. Allí sus peldaños se transparentan y permiten conectar virtual y sutilmente espacios separados, ampliando la experiencia visual del espacio.

Foto cortesía de Hoki Museum

LA MUESTRA
El museo contiene más de 50 pinturas de cerca de 40 artistas, incluyendo 32 pinturas de Sousuke Morimoto y de artistas como Hiroshi Noda y Tadahiko Nakayama.

Floral dress, 2007. Tadahiko Nakayama

Pansies , 2007. Hiroshi Noda.

Coloring, 2001. Sosuke Morimoto

Distant Memories, 2009. Osamu Obi

Portrait of a woman, 2007. Sosuke Morimoto

No, no son fotografías. Hay que darse un tiempo para apreciarlas una por una, tanto de lejos por la calidad de la luz en la composición pictórica, como de cerca, por la meticulosidad de los detalles.

***

El Museo Hoki es realmente impactante, tanto por la contundencia de su vocabulario arquitectónico como por la belleza de las obras que contiene, ejecutadas por artistas de gran talento. Si usted se quedara unos días en Tokio, vaya a verlo, se lo recomiendo.

VER TAMBIÉN

- MUSEOS DE ARTE

Junto a la crítica de arquitectura Imelda Akmal y otros notables arquitectos indonesios, a quienes tuve la suerte de encontrar en el museo.

MVRDV: GYRE OMOTESANDO, TOKIO

2011-11-03T21:16:00.008+09:00

Foto cortesía de wakii

ENGLISH

Gyre, o giro, un término frecuentemente usado en oceanografía, evoca remolinos, corrientes, vórtices. Gyre, diseñado por los arquitectos holandeses MVRDV en el distrito comercial de Omotesando, es un conjunto comercial multipropósito que cuya volumetría, a pesar de ser masiva, evoca movimiento y dinamismo a través de sus terrazas.

Foto cortesía de kokix

UBICACIÓN

Gyre es otro de esos edificios glamorosos que parecieran alinearse en un desfile de modas a lo largo de la alameda Omotesando. Al temprano el edificio Spiral de Fumihiko Maki y la Sede de la Asociación de Enfermería por Kisho Kurokawa, han seguido otros edificios importantes como Omotesando Hills de Tadao Ando (ubicado al frente del Gyre y al que, de algún modo alude mediante sus terrazas aunque las de Ando son privadas) y Dior por SANAA (ubicado al costado, y cuya glauca, translúcida y casi frágil estructura contrasta con la oscura masividad del Gyre).

Importante densidad de edificios creados por diseñadores famosos se congregan en Omotesando

Contraste entre el Gyre y el Dior de SANAA

Está construido en una esquina de la calle Omotesando con una calle más estrecha y empinada, el paseo del río Kyu Shibuya, también llamada Calle del Gato.
Con un área de 8979 m2 el edificio fue construido entre el 2006-07 por la Corporación Takenaka.

El Gyre durante su construcción en el 2006

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CONCEPTO

La propuesta de MRDV se basa en un conjunto de cajas apiladas que al rotar en torno a su eje vertical. La oficina holandesa ya había venido experimentando con composiciones de cajas y en espacios públicos separado del nivel de la calle, como en el caso del Edificio Mirador de Sanchinarro en Madrid.

Idea generatriz. Imagen cortesía de MVRDV

El edificio consta de 3 sótanos y 6 niveles. Cada uno de estos 6 pisos va rotando en torno al espacio central.

Plantas 1-3

Plantas 4-6

Cortes. Imágenes cortesía de MVRDV.

Esta rotación va generando espacios que, lejos de ser residuales, son aprovechados como terrazas. Este artificio permite a los arquitectos otorgar cierta ligereza a los volúmenes masivos que constituyen la composición.

La fachada, techos y terrazas son hechas con concreto poliuretano

Foto cortesía de personal note

Foto cortesía de a+n+l+w+o

Algunas terrazas están conectadas a través de escaleras exteriores que fomentan un tipo de circulación poco común en edificios comerciales, que más bien sólo tienen una circulación interna que se distribuye a todas las tiendas (otro caso de comercio con terrazas externas interconectadas es el Times I y II en Kioto).

Las terrazas están conectadas por escaleras exteriores.

Foto cortesía de Rob't Hart

Foto cortesía de deedeelim

Restaurantes ubicados en algunas de las terrazas gozan de buenas vistas hacia la alameda

INTERIOR

Las tiendas se organizan en torno a un gran espacio central que contiene las escaleras, y al que la luz accede a través de una claraboya. Es además el núcleo estructural del edificio.

Foto cortesía de Olly Denton

Reconocidas marcas como Chanel, Bulgari, además de una tienda del Museo de Arte Moderno de Nueva York - MoMA, alternan con cafés y restaurantes.

La primera tienda del MoMA fuera de EEUU, diseñada por Richard Gluckman

***

Gyre es más que otro edificio comercial que se muestra al mundo como una glamorosa modelo, pero que por dentro es introvertido y poco comunicativo. La propuesta de MVRDV apuesta por el movimiento, por la inclusión del peatón, por involucrar al espacio urbano dentro del edificio y por sugerir un espacio interior que sea tan atractivo como la fachada (y una fachada que es amigable con el espacio urbano circundante). Una idea que ya había explorado décadas atrás Fumihiko Maki en su Edificio Spiral, un pionero en Omotesando.

VER TAMBIÉN
- COMERCIO.

Para poder tomar fotos al interior de este local compré un pastelito... espectacular.

JUN MITSUI: DE BEERS, GINZA

2011-10-31T11:29:00.003+09:00

Foto cortesía de David Panevin.

ENGLISH

A pocos metros del Mikimoto Ginza 2, diseñado por Toyo Ito, se ubica un edificio fuera de lo común: De Beers (2005-2008), un proyecto de Jun Mitsui para la prestigiosa compañía especializada en diamantes. El edificio presenta una ondulante fachada, en la que la sinuosidades de sus curvas contrastan con la trama que la genera.

UBICACIÓN

De Beers se halla en el distrito comercial de Ginza, uno de los más importantes de la capital japonesa. El edificio se encuentra en una esquina de la arbolada calle Maronie y una calle menor. En un terreno de aproximadamente 340 m2 el edificio ocupa un área proyectada de 4022 m2.

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CONCEPTO

Es precisamente en virtud de su ubicación que el edificio se permite destacar con su sugestivo y sensual perfil, aunque dada la estrechez de la vía y la presencia de otros edificios altos vecinos, es preciso retirarse un poco para poder apreciarlo en su integridad.

"Bizarre architecture". Foto cortesía de Ballet Lausanne.

El arquitecto dice haberse inspirado en “un rayo de luz torciéndose en movimiento” y en “las sensuales curvas de una mujer”. Cualquiera haya sido su inspiración lo cierto es que la fachada hacia la calle Maronie es una trama regular que ha sido ondulada (sin haber sido deformada, a lo Frank Gehry en su edificio Dancing House en Praga) y por tanto presenta una composición dinámica y ágil, sin perder la contundencia de la trama que genera su fachada, y que por cierto mantiene su ortogonalidad hacia la calle menor.

Este muro cortina está compuesto por perfiles de acero inoxidable que descienden verticalmente a manera de cintas, atravesadas por pestañas horizontales. Esta conformación permite el reflejo de la luz en una forma peculiar, que va cambiando conforme pasan las horas del día.

Un singular detalle es la forma cómo el ingreso ha sido jerarquizado, al interrumpirse esta trama de acero para dar lugar a un cubo blanco .

La fachada lateral es más sobria pero persiste en el tema de la curva, al separar un área acristalada de una composición con placas de cerámica, que me recuerda a la fachada lateral del Museo de Arte Suntory.

Esta fachada culmina una forma en “V”, que alberga una mezzanine de dos niveles, un impresionante ático acristalado que da hacia la zona de la calle, mientras que hacia atrás se ubican tanques de agua y maquinarias. Este solárium en la parte superior lograr mayor dramatismo al perfil del edificio .

Foto cortesía de Manuel a.69

PLANOS

Cimentación, dos sótanos y Planta 1.

Plantas 2-5

Plantas 6-9

Plantas 1-0 y 11 y dos plantas de la azotea.

Cortes

DETALLES

Fotos cortesía de tanakawho

Foto cortesía de tanakawho

Foto cortesía de James Justin

¿Una apuesta vanguardista o formalismo superficial? ¿O una mezcla de ambos? Lo cierto es que desde hace un tiempo en la capital japonesa se viene experimentando con "pieles" o "pantallas" acristaladas que dan un aspecto dinámico a edificios de otro modo estáticos, desde la sobria propuesta de Renzo Piano en el Maison Hermes hasta la voluptuosa cortina ideada por Kisho Kurokawa en el Centro Nacional de Arte. Lo que es innegable es que el De Beers de Jun Mitsui es un edificio ornamental, fotogénico , superficial, ostentoso y reluciente... es decir, las mismas cualidades de los diamantes que exhibe.

VER TAMBIÉN

- COMERCIO.

TOYO ITO: MIKIMOTO GINZA 2

2011-10-24T15:18:00.009+09:00

ENGLISH

En una anterior oportunidad nos referimos a Tod's, un edificio comercial experimental de Toyo Ito en Omotesando. En esta ocasión, comentaremos otra obra suya en el distrito comercial Ginza.

UBICACIÓN

Ginza, significa literalmente "lugar de la plata" y ha sido un distrito comercial de Tokio desde la época Edo, a principios del siglo XVII. Hoy, Ginza acoge numerosas boutiques y tiendas de moda de las marcas más exclusivas del mundo, y posee una notable densidad de obras hechas por arquitectos famosos. Aquí se pueden encontrar el Maison Hermes de Renzo Piano, la tienda de Dior por Kumiko Inui y la tienda De Beers, por Jun Mitsui. No muy lejos de allí está el Foro Internacional de Tokio por Rafael Viñoly.

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En la esquina de las calles Maronie-dori y Namiki-dori se instaló desde 1893 la famosa compañía de perlas cultivadas Mikimoto, y es el mismo sitio donde más de 110 años después se construyó aquí el edificio diseñado por Toyo Ito. Llamado Mikimoto Ginza 2, este esbelto edificio de 48 m de altura, construido sobre un área de 274 m2 fue concluido en el 2005.

CONCEPTO

El edificio de aparente simpleza está compuesto por un prisma perforado por una serie de ventanas irregulares , como si fueran un queso gruyere, aparentemente dispuestas en forma aleatoria. Sin embargo, ya que algunas de estas se encuentran en las esquinas (donde típicamente iría una columna) y al percibir de cerca el fino acabado de la fachada, se evidencia un sistema constructivo mucho más sofisticado.

El concepto se basa en que el edificio se sostiene en su fachada, dejando las plantas interiores libres de columnas.

La forma de las ventanas se inscribe dentro de una estudiada geometría de triángulos y cuadrados que asemejan a una composición de fractales.

Planos cortesía de Toyo Ito Architects & Associates

SISTEMA CONSTRUCTIVO

Según el diseño se requería de una estructura resistente, que permitiera practicar fenestraciones con libertad, pero que al mismo tiempo no tienda a expandirse fácilmente por efectos del calor. Por este motivo se optó por un sistema mixto de placas de metal y concreto. Las planchas de acero de 1.2 cm eran preparadas y sostenidas por una trama de tachones a fin de mantener un espesor uniforme de 20 cm, y luego se vaciaba concreto entre ellas.

Las placas fueron luego transportadas y montadas in situ. Se necesitaron un total de 330 piezas para armar la fachada.

Finalmente se procedió a soldar las placas y pintarlas. Este proceso fue hecho a mano y requirió hasta 6 etapas diferentes de pulido y pintado para garantizar un acabado fino que el cliente requería.

Fotos y planos cortesía de Toyo Ito Architects & Associates

Al acercarse y ver el detalle, es realmente impresionante la calidad con la que esta gran fachada metálica ha sido perforada y pulida.

Foto cortesía de Scarlet Green

"Aunque la piel está construida de una plancha de acero de 12 mm, cuando se suelda todo tiende a doblarse. Es más, si no se hace perfectamente, al final se verán las soldaduras. Para lograr esa superficie plana, tuvimos que trabajar bastante. Nosotros, los ingenieros, los trabajadores... todos tuvimos que experimentar con muchas soluciones diferentes".

Preguntado por Stefano Mirti acerca de la relación de sus obras con tecnología, Ito responde:

"En realidad, el sentido y significado de la tecnología en mis trabajos está cambiando. En el pasado la tecnología era muy visible. Se la presentaba de una forma visible. Ahora es diferente. La tecnología es ahora algo que oculto, tienes que buscarla, no la puedes ver. Es un elemento a ser usado y explotado de una forma indirecta. Yo solía concebir una arquitectura que nadie pudiera tocar, imposible de agarrar y tocar. Ahora, nuevamente, es diferente. Ahora estoy trabajando en la realidad física, en el objeto, en lo real. Eso es lo que me interesa ahora."

Fotos cortesía de Purple Cloud

La torre es, básicamente, un paralelepípedo, una caja que, de lejos, se asemeja al típico rascacielos. Sin embargo, es probablemente de noche cuando cobra mayor presencia, cuando se ilumina de diferentes tonalidades y cuando las irregulares ventanas descubren el glamoroso interior.

Fotos cortesía de Scarlet Green

Bella foto de las escaleras interiores, cortesía de Xosi Ra

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- OTRAS OBRAS DE TOYO ITO

- COMERCIO.

TOYO ITO, KENGO KUMA, ETC: SHINONOME CANAL COURT

2011-10-24T12:36:00.008+09:00

Foto cortesía de Nacasa & Partners.

ENGLISH

Shinonome Canal Court es un notable proyecto de vivienda multifamiliar experimental en Tokio, destinado a revitalizar su rol social en el siglo XXI, y a la vez renovar el frente ribereño de la capital japonesa. Para este fin se contó con el concurso de renombrados arquitectos como Kengo Kuma, Toyo Ito entre otros.

ANTECEDENTES
La participación de arquitectos notables en el diseño de viviendas multifamiliares no ha sido muy frecuente en Japón en los últimos años, ya que éstas han estado en manos de burócratas gubernamentales de que no hacían sino repetir modelos de baja calidad social, funcional y estética. De hecho, desde el conjunto Nexus World en Fukuoka en 1991 no había habido otro caso de vivienda multifamiliar experimental diseñada por varios arquitectos célebres. Sin embargo, y a diferencia del Nexus -donde el plan de Arata Isozaki carece de una idea fuerza que vincule los diversos edificios y donde cada arquitecto diseñó su unidad sin ninguna relación con las demás y en el estilo que mejor le pareciera- en el caso de Shinonome las barras de viviendas están cohesionadas por un diseño urbano claro y mantienen un lenguaje formal unitario a pesar de sus diferencias.

La idea principal está basada en un tipo de vivienda que sea lo suficientemente flexible para acomodar microempresas en el hogar (SOHOs, por sus siglas en inglés) y de esta forma incorporar actividades económicas a la vivienda multifamiliar, por lo general ausentes en muchos conjuntos residenciales, mejorando las relaciones sociales de sus habitantes, y a la vez que reflejar el estilo de vida actual. El conjunto debería también ofrecer suficiente versatilidad para acomodar núcleos familiares, viviendas para solteros o para ancianos.

Para este fin la Corporación de Desarrollo Urbano (CODAN) convocó un concurso en el que resultaron ganadores 6 equipos: Riken Yamamoto & Field Shop (Bloque 1), Toyo Ito & Assoc. (Bloque 2), Kengo Kuma & Assoc. (Bloque 3), Yama Architects (Bloque 4), ADH Architects & Workstation (Bloque 5), Makoto Motokura, Keisuke Yamamoto y Keiji Hori (Bloque 6). El tratamiento de los espacios públicos estuvo a cargo de la oficina ON-SITE.

UBICACIÓN
Shinonome está ubicada sobre un territorio ganado al mar, en la bahía de Tokio. A pesar de hallarse lejos del bullicio de la capital, esta zona tiene muy buena conexión con el corazón de Tokio. Es posible llegar a Ginza o el Palacio Imperial en apenas una hora caminado o 10 minutos en tren.

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El conjunto está compuesto por seis bloques en torno a un espacio central, dispuestos en un bloque rectangular de 16.4 hectáreas, y rodeados por torres de alta densidad. A través de ellas es posible divisar y tener contacto con un canal de agua.

CONCEPTO
Las 2000 viviendas proyectadas se acomodan en 6 bloques de hasta 14 niveles. Éstos se hallan vinculados por una calle central serpenteante que conecta en sus extremos un supermercado y un parque ribereño, y que acoge los comercios, servicios, un kindergarten, áreas de juegos, etc.

A la vez se relaciona con plazas ubicadas tanto en el primer como en el segundo nivel.

Secuencia de la calle central

A través de ellas y los espacios públicos ubicados en los edificios es posible establecer una red de relaciones sociales entre los habitantes. Es decir, proponen un esquema opuesto al de Kisho Kurokawa y su idea de que las personas debieran vivir en cápsulas, sino por el contrario romper los límites de la individualidad y promover la socialización de la vivienda en niveles pocas veces vistos en Japón.

¿Cómo lograr esto? Con transparencia, usada como premisa en los proyectos. Las fachadas son perforadas para acoger áreas comunes cuyo nivel de privacidad puede regularse pon paneles de madera que han sido decorados con líneas de colores.

Muchas de las unidades tienen las puertas completamente acristaladas, y enfrentan espacios comunes que permiten la interacción con sus vecinos. Esto tal vez resulte llamativo para una vivienda tradicional, pero no para un pequeña oficina-vivienda o SOHO, estableciendo un espacio transicional entre lo público y lo privado.

Un aspecto inusual es que las viviendas se hallan a nivel de la circulación exterior, lo que permite que sean usadas con o sin zapatos , ya que tradicionalmente ésta se ubica más arriba, y hay un pequeño espacio para dejar los zapatos antes de ingresar.

Espacios de ingreso a las viviendas por Riken Yamamoto.

Foto cortesía de Nacasa & Partners.

Planta del segundo nivel de los bloques diseñados por Toyo Ito.

Imagen cortesía de Total Housing

Bloques diseñados por Riken Yamamoto, organizados a lo largo de un pasaje central, pero con el uso de puertas acristaladas se permite mayor iluminación en cada una de las unidades.

La propuesta de Kengo Kuma, por ejemplo, vincula unidades principales de 60 m2 con unidades anexas de 25 m2 (que pueden ser usadas como dormitorios, estudios, oficinas, etc.), que se hallan en torno a atrios centrales.

Kuma también incorpora terrazas ajardinadas en las azoteas, en un gesto que evoca la propuesta de las unidades habitacionales de Le Corbusier, pero que le añade un valor económico: pueden utilizarse para cultivar hortalizas. Cada cierto número de viviendas se genera un espacio comunal y el arquitecto propone una trama de puentes que permite la comunicación entre las unidades.

En el caso de Yamamoto, se propone una “habitación-F” o foyer, los cuales pueden ser usados como áreas de trabajo, a los que se accede directamente desde corredores ubicados excéntricamente.

Interior de una pequña oficina u oficina del hogar (SOHO). Foto cortesía de Nacasa & Partners.

Riken Yamamoto. Variaciones de los tipos de residencia que se adaptan a las condiciones y tipos de vida de cada familia. Los baños y las cocinas están ubicadas hacia el fondo de los departamentos, recibiendo buen asoleamiento, y las áreas sociales se organizan directamente hacia la zona de entrada.

***

Si bien el proyecto fue finalizado en el 2004 y es un poco temprano para decidir si es un proyecto exitoso, es posible distinguir mayor nivel de actividad social que en otros centros residenciales, y definitivamente constituye un aporte a la discusión sobre el problema de la vivienda en nuestra época.

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KENGO KUMA: MUSEO DE ARTE SUNTORY

2011-10-20T12:22:00.005+09:00

Foto cortesía de wakii

ENGLISH

“Una habitación de estilo japonés es un espacio confortable donde la gente puede relajarse en los tatamis que están dispuestos sobre el piso, y entre las tradiciones japonesas, es la que brinda el ambiente más relajante y reconfortante… Por eso tracé el plano del Museo de Arte Suntory esperando que se convirtiera en una tranquila habitación de estilo japonés en un clamoroso ambiente urbano… Siento que un edificio hecho en el estilo de una habitación japonesa no debería ser un farol pretencioso sino ser construido materiales que transmitan calor humano, aquellos que albergamos en nuestra vida diaria…”
Tomado de “A Japanese-style room in the city”, por Kengo Kuma

Foto cortesía de barbera

El Museo de Arte Suntory, obra del arquitecto Kengo Kuma, destaca por su elegancia, sobriedad y sutileza, retomando elementos y materiales de la cultura japonesa, pero en un lenguaje abiertamente moderno. A pesar de su aparente simpleza el arquitecto logra transmitir, tanto en la fachada como en el interior, la riqueza de la celosía como textura y elemento formal de diseño así como un medio eficaz de controlar la iluminación del edificio.

SOBRE KENGO KUMA

Si bien es común que los arquitectos cambien de estilo según las modas, en pocos casos el cambio es tan drástico como en el de Kengo Kuma. El arquitecto ha realizado un giro radical desde su primera obra, el M2 de Mazda, un esperpento postmodernista dominado por una grotesca columna jónica y un conformado por un caótico collage de formas rasgadas superpuestas.

M2 Salón de exhibición Mazda, Tokio, Japón. Kengo Kuma, 1989-91.

Resulta irreconocible que el autor de aquel bodrio aspaventoso sea hoy creador de obras serenas, humildes, de gran sensibilidad y que transmiten una atmósfera cálida y afable, respetuosas de la tradición y el paisaje, pero con un lenguaje claramente moderno.

Glass wood house. New Canaan. Connecticut, EE.UU. Kengo Kuma, 2010.

Yusuhara Wooden Bridge Museum. Kengo Kuma, 2010.

Esa fue precisamente la actitud del arquitecto al diseñar en el 2004 el Museo de Arte Suntory, que alberga una colección importante de arte antiguo, constituido por porcelanas y objetos de los siglos XVII, XVIII y XIX, algunos de ellos gran valor cultural e histórico.

UBICACIÓN

El Museo de Arte Suntory está absorbido dentro del conjunto Tokyo Midtown en Roppongi, uno de los conjuntos comerciales más importantes y recientes de la capital japonesa y competencia directa del Roppongi Hills.

El complejo Tokyo Midtown reemplazó un grupo de bloques residenciales en la zona de Roppongi.

Tokyo Midtown se construyó entre el 2002 y el 2008, y además de tiendas, restaurantes y oficinas, alberga dos museos: el 21_21 DESIGN SIGHT, diseñado por Tadao Ando y el Museo Suntory, por Kengo Kuma.

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La escala y proporciones del Museo Suntory contrastan con la mole del edificio de Tokyo Midtown donde se halla ubicado, y con los disfuerzos formales del 21_21 DESIGN SIGHT, de Tadao Ando, un edificio escultórico pero sin esencia que se ubica al frente, al otro lado de un parque alargado.

LA FACHADA

“Mi enfoque es que la fachada del museo debería tener cierta calidad icónica, pero no una forma icónica. Creo que debería tener una textura icónica”.

El edificio de Kuma es en sí un prisma ortogonal que transmite solidez, al que sin embargo la textura aplicada otorga cierto carácter de fragilidad.

La fachada está compuesta por una celosía de cerámica blanca muy fina, en referencia al material de la colección que alberga el museo, que se dispone perpendicularmente al muro de vidrio. Dado que la cerámica es muy frágil para ser utilizada en estas largas tiras y una mezcla con concreto la hubiera ensanchado demasiado, se optó por un sistema de reforzamiento con aluminio, logrando a la vez durabilidad y esbeltez, alcanzando un espesor de apenas 6 mm.

“El secreto es que combinamos la cerámica con aluminio. Los paneles de cerámica tienen agujeros y son unidos al aluminio con clavijas y algunas ranuras para darles flexibilidad”

Estas largas celosías no solamente tienen un carácter estético, sino que ofrecen un control climático.

“Un sistema de control de iluminación que ha sido inspirado en el diseño de la ventana tradicional japonesa “Muso-Koshi” ha sido colocado en la fachada enfrentando el parque. Este mecanismo suaviza el escenario y la luz que ingresan a la habitación de estilo japonés. Los japoneses hemos usado este tipo de mecanismos para preciar las cuatro estaciones y el paso del tiempo”.

Un aspecto que encontré curioso es que a pesar de contar con la fachada más atractiva del conjunto, el edificio carece de un ingreso directo. De hecho se ingresa desde el interior del área comercial, tal como detallaremos más adelante. La conexión con la calle es a través de un puente que conduce a una entrada a los comercios.

PROGRAMA
El Museo consta de 6 pisos, con un área total de 4,663 m2, aunque el área de exposición se desarrolla sólo en los pisos 3ro y 4to. también un salón de conferencias en el 6to piso, una tienda y un pequeño café.

Vista de la terraza. Foto cortesía de Mitsumasa Fujitsuka

Este pequeño salón de té de estilo Geonchan fue traído especialmente desde Akasaka Mitsuke, donde funcionaba el museo originalmente desde 1975.

EL INTERIOR

Como dijimos, el ingreso al museo no es muy evidente, hay que acceder al área comercial y cerca a las escaleras centrales, unas señoritas intentan compensar esa falta de orientación indicando la localización de aquél. Por tanto, resulta interesante el recurso que utiliza el arquitecto para intentar atraer al visitante y a la vez aislar esta actividad cultural selecta del mundano bullicio comercial que la rodea: nuevamente usa una celosía, esta vez de madera, un elemento predilecto en la arquitectura tradicional japonesa.

Foto cortesía de Mitsumasa Fujitsuka

La sucesión de varillas es un intermedio entre transparencia y opacidad, entre exposición e intimidad, a la vez que conforma una textura cálida, sencilla y elegante.

El lector puede encontrar a continuación la distribución de las plantas que conforman el museo, pero quisiera compartir con Ud. la experiencia del recorrido.

Tras ingresar y pasar por la boletería, el visitante debe tomar el ascensor hacia el cuarto piso. Allí visitará una sucesión de áreas de exhibición y luego toma una escalera que le conduce de nuevo al tercer piso, donde tras visitar más espacios de exhibición. Este recorrido ha sido estudiado para otorgar al visitante una serie de sensaciones de cerramiento, apertura y sorpresa.

Foto cortesía de Mitsumasa Fujitsuka

Tras visitar las primeras salas, mayormente oscuras, el visitante se ve expuesto al espectáculo de la escalera que desciende en un imponente espacio de doble altura, desde donde puede contemplarse el parque y donde Kuma logra un efecto dramático de luz, tamizada gracias a las estrías de la fachada.

Foto cortesía de Mitsumasa Fujitsuka
Fotos cortesía de kazzle dazzle

Foto cortesía de Mitsumasa Fujitsuka

El manejo de la luz en diferentes grados es también un referente directo de la arquitectura tradicional japonesa. Adicionalmente a la luz indirecta natural que viene del techo, el espacio principal es dividido por una serie de cortinajes (al menos lo estaba en la exposición que visité) que permite dividir el espacio libre y sutilmente, añadiéndole un carácter translúcido y temporal.

Foto cortesía de Aurelio Asian

MATERIALES

Sin duda los materiales elegidos contribuyen a transmitir una atmósfera tradicional y acogedora al espacio del museo. Además de la elección de cerámica en la fachada, el arquitecto incluye divisiones hechas de papel de arroz, varillas de Paulownia o kiri (un tipo de madera que, por su blandura y por sus propiedades anti-moho no se usa tradicionalmente en construcción sino en los armarios donde se guardan los kimonos) y pisos hechos de roble blanco, tomado de barriles reciclados de whisky (Suntory es una compañía de bebidas, cerveza y licor).

Celosías de porcelana exteriores.

Celosías de madera Pawlonia interiores

Pero vale la pena recalcar que son los materiales, si bien están cargados de un carácter japonés tradicional, están dispuestos dentro de un lenguaje moderno y no asumen ningún protagonismo historicista.

“Rodeados de bello arte, materiales sutiles y luz suave, el tiempo pasa lentamente”

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Museo Suntory, Osaka, Japón. Tadao Ando (1994)