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19 febrero, 2010

KOOLHAAS Y OMA: BIBLIOTECA DE SEATTLE


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La Biblioteca Central de Seattle, diseñada por Rem Koolhaas y Joshua Prince-Ramus de la holandesa Oficina de Arquitectura Metropolitana(OMA), en conjunto con la firma de Seattle LMN Architects, es sin duda uno de los edificios públicos más influyentes de nuestros días. Controversial, como muchas de las obras de Koolhaas, atrae seguidores y detractores, pero con más de 2 millones de visitantes por año y el enorme efecto catalizador en la revitalización del entorno urbano, nadie pone en duda su éxito social.


Su lenguaje anguloso y provocador y su estructura vista, formando una trama en diamante, me evocaron fuertemente otras obras del autor, como el edificio de la CCTV en Pekín o la Casa de la Música en Oporto.



ANTECEDENTES

Andrew Carnegie, el magnate del acero que construyó bibliotecas por todo EE.UU. patrocinó en 1906 la construcción de la Seattle Carnegie Library en estilo neoclásico, en un terreno en la Cuarta Avenida.


Con los años se hizo necesario una ampliación por lo que en 1960 se contruyó un edificio en estilo moderno internacional de 5 pisos, diseñado por Bindon & Wright, reemplazando a la antigua biblioteca. Nuevamente la demanda excedió la capacidad de la biblioteca, lo que, sumado a la escasez de parqueos y el riesgo sísmico determinó a fines de los 90s la necesidad de construir una nueva biblioteca, que responda a las características de nuestro tiempo.


CONCEPCIÓN


Joshua Prince-Ramus subraya tres ideas principales en la concepción del proyecto:
a) Un proceso hiper-racional de diseño, en el que ideas racionales adquieren una lógica independiente y dan como resultado imágenes que parecieran irracionales (a simple vista la biblioteca parece producto de un capricho más que del análisis del diseñador).
b) Un trabajo en equipo en el proceso de diseño, dejando de lado la imagen del arquitecto-genio, sino un trabajo interactivo entre varios miembros de la oficina.


c) Confrontar la visión tradicional de la flexibilidad en la arquitectura moderna, que, según él crea espacios genéricos donde casi todo puede pasar dentro de ellos, pero en la práctica son ocupados por la necesidad más inmediata, que termina imponiéndose otras actividades. En su lugar, propone la llamada "flexibilidad compartimentarizada", en la que identifica una serie de sitios en lo que, aún si una actividad resulta preeminente, se pueda garantizar un espectro de funciones múltiples.


OMA basa su diseño en la idea de que los libros son la más importante fuente de información a la que la gente acude en la biblioteca, sin descuidar las numerosas formas de tecnología que hoy en día están al alcance del usuario. Pero tal vez más revolucionario fue su enfoque de que la biblioteca debía cumplir roles sociales (algo a lo que los bibliotecarios se mostraron reacios al principio). OMA reorganizó el programa propuesto por ellos en 5 plataformas cuya función podría predecirse que iba a ser estable en el futuro (administración, libros, espacio de reunión, información y parqueo). En la parte superior de cada plataforma se ubican 4 espacios abiertos, cuya función podría ser más inestable.




Este modelo conceptual presenta ambos tipos de espacios definidos dentro de cajas, con los espacios abiertos en la parte superior y los sistemas de circulación vinculando los diversos elementos. Estas cajas se desplazan en razón de un mejor uso de la luz natural y las vistas hacia la ciudad. Dado que cada una de estas plataformas alberga funciones diferentes, les fueron asignadas áreas distintas. Nótese la similitud con el diagrama de la programación.

Posteriormente estos compartimentos serían recubiertos por una "piel" de vidrio y estructura metálica proveyendo de sombra o luz de acuerdo a las necesidades requeridas.


Este fue uno de los aspectos que más me gustó de la biblioteca, su integración visual desde el interior hacia el paisaje urbano de la ciudad y su clara lectura de los espacios interiores, que dramatiza la tensión entre ellos. Otras bibliotecas contemporáneas, como la Mediateca de Sendai y la Biblioteca en Tama, ambas de Toyo Ito, han optado también por una franca transparencia hacia el entorno.


DISEÑO

El edificio contiene 38,300 m2 de área construida en 11 niveles y el sótano de estacionamiento.

Algo que no es muy evidente en las fotos es que hay un pronunciado desnivel entre la 4ta y 5ta avenida, en el que se pueden acomodar dos niveles.


Especialmente en la fachada de la cuarta avenida puede percibirse la imponencia del enorme voladizo de 14 m, que genera una especie de plaza cubierta, en un efecto que me evocó en cierto modo aquella plaza generada frente a la Biblioteca Peckham, en Londres.


El nivel más bajo, el que se accede desde la 4ta avenida al suroeste, contiene un auditorio y un centro de idiomas, además de un Centro Infantil cuya decoración "espera ser apreciada por los niños, aunque no sea condescendiente con ellos" (esto permite que un niño de 11 años no se sienta incómodo el mismo espacio que ocupa uno de 5).
El segundo nivel corresponde a la administración, y prácticamente no es visto por el público.
El tercer nivel, al que se accede desde la 5ta avenida, es el área de recepción. En el exterior, la piel de la fachada desciende hasta el piso conformando una suerte de porche de ingreso.



Al entrar al edificio nos recibe una gran plaza bañada en luz, adornada con fuentes y jardineras, que ofrece un acogedor refugio en el frío clima de Seattle.



El espacio se convierte en una gran sala donde los usuarios pueden disfrutar de su lectura en un cómodo sillón, sorbiendo un café (que es una debilidad entre los seatleitas... no en vano esta ciudad es la cuna y la base principal de la cadena Starbucks Coffee).



El cuarto nivel contiene áreas de reunión, dispuestas en espacios de formas más orgánicas y que pueden acomodar entre 30 y 200 personas.
El quinto piso alberga la mayor cantidad de computadoras públicas, y donde los usuarios pueden llegar a investigaciones más profundas, para lo cual hay varios bibliotecarios a su disposición. Espacialmente, al estar al medio del edificio, balconea hacia la plaza y permite una comunicación visual hacia la calle y hacia los niveles superiores.




Desde el sexto al noveno nivel se ubica uno de los más innovativas áreas del edificio: el Espiral de los libros. Contraviniendo la clásica horizontalidad de las bibliotecas, los estantes se organizan en grandes plataformas inclinadas, que discurren continuamente mediante rampas (un "estacionamiento barato para libros" dice Joshua Prince-Ramus). Las salas de lectura, que por razones de función tienen que ser horizontales, se ubican escalonadamente a lo largo de las rampas.




El décimo piso, que es el nivel más alto al que puede acceder el público, es el área de lectura. Desde aquí se pueden disfrutar extraordinarias vistas de la ciudad, particularmente de la bahía Elliott. Aquí hay también un pequeño balcón al final de un corredor que según Joshua Prince-Ramus "lo diseñó para pedir la mano a su esposa... y ella aceptó". En realidad este pequeño espacio sólo sirve para contemplar la riqueza espacial del edificio, un enorme espacio a múltiple altura y la complejidad de la piel envolvente del edificio. Pienso que los diseñadores sabían del impacto que este edificio iba a tener en la comunidad arquitectónica, así que nos regalaron este cubil para que los arquitectos podamos regodearnos y gozar el espacio.

Foto cortesía de Katya Palladina

DISEÑO ESTRUCTURAL

La construcción del edificio significó un reto particular, ya que la región es proclive a sufrir terremotos y fuertes vientos, y la forma del edificio presenta grandes voladizos que le dan una apariencia ligera, pero requieren un diseño estructural especial. La solución estructural se basa en un núcleo de concreto macizo que sostiene las losas en voladizo (una solución también frecuentemente aplicada en rascacielos). Esta solución permite minimizar la cantidad de columnas al interior del espacio.


A ello se añaden columnas verticales e inclinadas y cerchas. Los pisos que conforman la Espiral de los Libros y el Salón de Lectura (6-10) utilizan columnas inclinadas para transferir el peso de los pisos superiores.



Finalmente, la grilla envolvente en forma de diamante sirve como un elemento de amarre general, a la vez que contiene el recubrimiento de vidrio, el cual tiene una fina capa metálica interior que permite que sea transparente sólo desde el interior.



A la grilla de acero exterior se superpone una grilla interna de aluminio para sostener el vidrio, ambas pintadas de color celeste. Debo decir que el acabado es un poco tosco, y que faltó un mejor manejo del detalle.


ARTE Y DECORACIÓN.

Escaleras color naranja encendido, escaleras mecánicas en amarillo chillón, alfombras multicolores y la grilla celeste demuestran la predilección de Koolhaas por el color.


Adicionalmente se encuentran trabajos de arte como el de Ann Hamilton que diseñó un piso tallado en madera de 670 m2 con frases en 11 idiomas diferentes, que sugiere una "experiencia táctil del libro en la era digital".

También es divertido, al bajar las escaleras automáticas encontrarse con unas "Cabezas de Huevo Parlantes" llamadas "Braincast", obra del artista Tony Oursler.
En el exterior, la fuente Tsutakawa, también llamada "La Fuente de la sabiduría" fue esculpida en bronce por el notable y desaparecido artista local George Tsutakawa.


****

A pesar de algunas críticas, es indudable que la biblioteca en Seattle es un éxito social y, como es usual en la obra de Koolhaas y OMA, ha sacudido a la crítica sobre la forma cómo se percibe tradicionalmente la arquitectura.. Nuestra visita fue un día de semana y la biblioteca estaba llena, y fue grato encontrar  usuarios de todas las edades y grupos sociales (inclusive muchos "homeless", que suelen acudir a la biblioteca en días fríos).


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18 abril, 2009

PETER EISENMAN EN TOKIO: KOIZUMI LIGHTING THEATER

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El deconstructivismo es una corriente arquitectónica que no ganó muchos adeptos en Japón. La imagen de un edificio (de)compuesto adrede de paredes reclinadas, vigas salientes, columnas torcidas, techos fracturados, como si hubiera sufrido el embate de un cataclismo, no pareció tener eco en una cultura que ve sus edificios abatidos naturalmente y con frecuencia por terremotos y tifones. A ello se sumó la debacle financiera que estremeció al archipiélago a mediados de los 90, además de la desgracia del terremoto de Kobe. Por ello fue un hallazgo encontrar en Tokio este edificio trabajado por Peter Eisenman, uno de los principales teóricos y exponentes del deconstructivismo.


EL DECONSTRUCTIVISMO

El deconstructivismo es una corriente que se originó a inicios de los 80's y que, como parte del movimiento posmodernista (en el que también se incluyeron corrientes como el historicismo y el high tech), se opuso a los postulados del movimiento moderno. Curiosamente, el deconstructivismo también se distanciaría del historicismo, al entender la relación con el entorno de una manera más abstracta y menos icónica.

Conjunto habitacional, IBA, Berlín, Peter Eisenman. La altura del edificio neoclásico vecino se refleja en la substracción que experimenta el volumen en la esquina.

Deconstruir significa tomar un objeto básico, descomponerlo en sus partes primarias, someterlas a una serie de analíticas traslaciones y transformaciones geométricas, producto de relaciones o influencias del entorno, y luego recomponerlas en un nuevo producto que exprese ese proceso de transformación. Era un ejercicio similar al cubismo en la pintura, añadiéndole la cuarta dimensión al objeto arquitectónico, es decir, la variable tiempo (Le Corbusier incluía la variable tiempo como el recorrido que el usuario tenía que hacer para percibir sus edificios; los deconstructivistas incluían el tiempo en la traslación del edificio sobre sí mismo).

Eisenman. Diagramas para la Casa III

"No es por la fractura o simple fragmentación del objeto que se llega al deconstructivismo, ya que eso no sería cuestionar la estructura sino, por el contrario, dañarla y el daño, a mi entender, no tendría otra lectura que el efecto decorativo. Se trata de revelar la tensión geométrica interior de la construcción en sí, algo que siempre estuvo latente, hasta ser descubierto por los arquitectos; no se trata de demoler o desmantelar una obra, por el contrario, se trata de una arquitectura de desviación y reorganización".
Jorge Glusberg

Aronoff Center en la Universidad de Diseño, Arte, Arquitectura y Planeamiento (DAAP), Universidad de Cincinnati. Peter Eisenman, 1988-1993

El deconstructivismo recibió importante influencia del constructivismo ruso de los años 20, aunque no tanto por su concepto social (el movimiento artístico soviético tenía una base socialista importante), sino básicamente a nivel de su concepción formal. El constructivismo exploraba la relación entre volumen y superficie, tomando para ello elementos puros y, sometiéndolos a la influencia de elementos externos, les daba dinamismo y energía, un concepto que el deconstructivismo tomaría para sí 60 años después (Más información sobre el constructivismo ruso en La Arquitectura, del arquitecto Armando Arteaga).

Estudios de Iakov Chernikhov. Vía arquitectura MNP

Ver aquí un video de la concepción de la Torre Tatlin, símbolo del constructivismo ruso.


El deconstructivismo también fue influenciado por la literatura, especialmente los escritos de Jacques Derrida, creador del movimiento literario llamado deconstrucción, y quien, gracias a su amistad con Eisenman, contribuyó con un importante bagage conceptual para el movimiento arquitectónico. De hecho, descontructivistas como Koolhaas y Libeskind han tenido una base periodística o literaria antes de incursionar en la arquitectura.

Uno de los primeros arquitectos en seguir ese proceso de diseño fue Bernard Tschumi en su exitosa propuesta para el Parque de la Villete, y también lo fueron Peter Eisenman, Morphosis y Coop Himmelb(l)au. Conjuntamente con estos "deconstructivistas analíticos" surgió otra faceta más artística y subjetiva, que si bien no es estrictamente deconstructivismo, obtiene resultados espaciales similares, por lo que muchos autores los han incluido en este grupo. A ellos pertenecen, entre otros, el arquitecto-escultor Frank Gehry, Enric Miralles y Zaha Hadid.

El resultado fue una arquitectura muy dramática, dinámica y escenográfica, a veces muy simbólica, otras mucho más sensorial. No se trataba de que el usuario encontrara belleza en la arquitectura, si no que recibiera estímulos que implicaran tensión, caos, perturbación, superposición, inestabilidad, conflicto, todos ellos reflejo de la sociedad en la que vive. Se trataba de que el edificio se entienda como parte de un conjunto y un conjunto de partes a la vez.


El resultado fue también una negación del postulado "la forma sigue a la función" (emblemático del funcionalismo de la arquitectura moderna), emancipándose en una libertad formal por encima de cualquier restricción funcional. Sin embargo, se llegó a excesos, creando muchas veces espacios inútiles, inflexibles, difíciles de mantener, insulsamente improductivos y de un fin meramente decorativo.

Biblioteca del Wexner Center for the Visual Arts and Fine Arts. Nótese cómo la columna se descuelga del techo hasta llegar a poca distancia del piso, contradiciendo el principio estructural clásico de la columna y provocando una sensación de desequilibrio.

El uso de programas informáticos de CAD/CAM fue fundamental para el desarrollo de estas propuestas, en primer lugar para el cálculo estructural que posibilitara soportar y prevenir el colapso de paredes y columnas inclinadas, las que, paradójicamente, parecieran estar colapsando. En segundo lugar, la computadora fue esencial para fabricar las partes y el recubrimiento del edificio, muchas veces conformado por piezas únicas y no repetitivas.

Aronoff Center en la Universidad de Diseño, Arte, Arquitectura y Planeamiento (DAAP), Universidad de Cincinnati. Peter Eisenman, 1988-1993. Foto cortesía de Fusion of horizons

Sin embargo, y como es de suponer, estos factores incrementaron los costos innecesariamente muchas veces para satisfacer los caprichos de los arquitectos, quienes se concentraron tanto en su filosofía y teorías conceptuales que se olvidaron de las necesidades y sentimientos de los usuarios.
"En una ocasión, no me percaté que en un proyecto me había quedado una puerta de 40 cm. Cuando la propietaria me fue a reclamar, se me ocurrió decirle: 'Señora, esa no es una puerta común, es una puerta para que Ud. entre de costado'. La propietaria se fue muy satisfecha".
Peter Eisenman

PETER EISENMAN

Peter Eisenman comenzó su carrera a fines de los 60s, muy cerca de la arquitectura moderna. Junto a Richard Meier, Michael Graves, Charles Gwathmey y John Hejduk, conformó el grupo denominado a quienes, "New York Five", por su trabajo en busca de las raíces del moderno, particularmente el trabajo de Le Corbusier, o simplemente "Los 5 Blancos", por su predilección en el uso de ese color.


En un principio, Eisenman trabajaba sus proyectos basándose en transformaciones de los elementos arquitectónicos, dividiendo volúmenes en planos, planos en grillas, las grillas eran rotadas hasta conformar un producto transformado.
Casa IV. Peter Eisenman, 1972

Más adelante, en la etapa a la que pertenece el proyecto que revisaremos en este post, en las propuestas se observa la huella de la secuencia de transformación, por lo que no sólo es posible apreciar el producto, sino el proceso de diseño.

NUNOTANI HQ Building. La compañía quebró en el 2000 y el edificio fue abandonado.

Al respecto, el notable arquitecto Rafael Moneo, amigo personal de Eisenman, hizo una aguda crítica a este método de diseño (vía Laboratorio de Arquitectura Moderna).
"...En efecto, el proceso se desata, comienza, con un desplazamiento diagonal que da origen a múltiples lecturas y al despliegue de una sintaxis que puede ser riguroso, pero el primer movimiento, el impulso originario, es algo inesperado, arbitrario, algo que queda por completo en las manos del arquitecto. (…) Así pues, y a pesar de que Eisenman trata de ofrecer una manipulación rigurosa del lenguaje, se ve forzado a admitir que el primer impulso es gratuito, sin conexión alguna con el mundo exterior en el que la arquitectura va a ser construida."

Efectivamente, los trabajos de Eisenman en años recientes denotan una mayor subjetividad en el proceso y un resultado en el que no necesariamente expresa formalmente el proceso de transformación.

Proyecto de Eiseman para la Iglesia del Jubileo en Tor Tre Teste, Roma, concurso que finalmente ganó su primo Richard Meier. Me pregunto qué clase de rito podría ejecutarse ahí, porque una misa.. difícil.

Memorial a los Judíos asesinados en Europa, Berlín. Peter Eisenman, 2005. Diseñado para causar un efecto de desazón en el visitante.

KOIZUMI LIGHTING THEATER, 1988-90


Koizumi Sangyo es un fabricante de lámparas y equipos de iluminación. Para este proyecto, sede de esta compañía en Tokio, Eisenman trabajó con Kojiro Kitayama, quien es el medio hermano menor de Tadao Ando (sí, el mundo es un pañuelo). En realidad, a fines de los 80´s y principios de los 90s, había una buena relación entre Eiseman y Ando, y éste último le presentó a su hermano.

Koizumi Lighting Theater un complejo de 8 pisos. En los 5 primeros, se encuentra la exhibición de los productos, mientras que en los 3 últimos, se hallan las oficinas.
Elevación y sección.

Kitayama diseñó una caja de concreto, un bloque de oficinas típico japonés. Eisenman usó esta estructura como contexto y la "atacó" con una serie de pequeños cubos girados en varias direcciones en el espacio. Rasgos de este choque de geometrías son evidentes tanto al interior como al exterior del edificio.


"En lugar de un solo autor, son dos autores que no colaboran juntos, si no laboran separadamente, para negar la noción de la composición unitaria. Trabajando separadamente, confunden la firma del autor, la mano del autor".



Para que ambas propuestas puedan encontrarse, era necesario que haya una estructura unitaria que acoja las partes para conformar una propuesta única.
"Una estructura alberga los elementos externos que se engrapan a ella. Éstos no tienen razón de ser en sí, ni en términos de lugar ni en términos de programa funcional, ni con la relación que instauran con la estructura que los acoge. Ellos son el resultado de una decisión arbitraria".

Plantas y vista exterior.

Por eso, a pesar de la apariencia dinámica y fracturada de la superficie, es posible percibir un orden geométrico cuando se recorre el edificio. O si se lo quiere decir al revés, a pesar de tratarse de una trama muy clara y contundente como base, esta nunca llega a ser repetitiva y es diferente en cada piso gracias a esos elementos que la contaminan.


Un gran atrio de proporciones monumentales nos recibe al ingresar al edificio. Algunos puentes cruzan el espacio en diagonal, no sólo para darle escala a este espacio de 5 niveles, sino también como una antesala al juego espacial que se avecina.

"Así como la introducción de un grano de arena al interior de una ostra produce una perla, así la introducción de elementos anormales puede manifestarse causando la transformación de los espacios internos y externos de una estructura. Un injerto puede también cambiar la naturaleza de un edificio de oficinas tradicional."

Este grano de arena al que se refiere es una serie de L tridimensionales, que para hacer más evidente esta superposición, utilizan colores pastel rosa y verde, trabajados con el pintor y teórico de la arquitectura Robert Slutzky y típicos de los proyectos de Eisenman a fines de los 80s (aunque, a decir verdad, esta combinación cromática no gana muchos adeptos hoy) .


"A través de los cubos en L empotrados en la estructura hay una marca, la cicatriz de una herida".
Diagramas conceptuales.

Aquí, Eisenman hace una referencia a la literatura de la deconstruccíon.
"Ningún piso es culminado en sí, hay siempre una apertura textual en cualquier otro lugar, que esté arriba o abajo. Cada espacio es parte de un texto incomprendido, en el cual existe la posibilidad de la lectura múltiple. Y en cada plano la evolución de las señas crean las condiciones que determinan los textos y permiten la lectura".


Este proyecto recibió un premio de honor del Instituto de Arquitectos Americanos AIA en 1991.

FUENTE:

  • Eisenman 1960/1990. De la arquitectura Conceptual a la Arquitectura Textual. Fabio Ghersi.
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