12 noviembre, 2009

BERLÍN DESPUÉS DEL MURO: GALERÍAS LAFAYETTE


“Este edificio está a medio camino entre la abstracción y la figuración, entre la luz natural y artificial, un medio escenográfico sutil que crea un juego. Es el motor de la seducción, convirtiendo en interrogante aquello que es revelado y aquello que es oculto, oscuridad y luz, lo inteligible y lo sensible.
El propósito del edificio: encender los primeros fuegos de la regeneración de Friedrichstrasse.”
Jean Nouvel
Como habíamos mencionado en el post anterior, la Friedrichstrasse era una de las calles comerciales más importantes de Berlín al inicio del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial.



Tras la caída del muro, Berlín comenzó la ardua tarea de reunir sus mitades. Ardua porque tras más de 40 años de régimen comunista el lado oriental lucía vetusto, atrasado, descuidado y desprovisto de vida (aun así las divisiones sociales y políticas han probado ser más difíciles de integrar que las urbano-arquitectónicas).

Unter den Linden fue uno de los primeros espacios urbanos en regenerarse, gracias a la impecable restauración de la Puerta de Brandemburgo con su histórica escultura a la victoria (robada de Berlín a París por Napoleón en 1806 y recuperada pocos años después) y al tratamiento de la plaza enfrente. La contundencia de la estructura espacial y el significado de este monumento y el famoso bulevar que preside coadyuvaron a esta pronta recuperación.



El muro se desvanece y la Puerta de Brandemburgo recobra vida. Estas fotos fueron tomadas en paneles frente a la estación de Berlín.

El caso de la Friedrichstrasse era más complicado, y requirió la intervención de un proyecto de regeneración urbana. Para ello, en 1991 se convocó a un concurso internacional para la renovación de tres manzanas a lo largo de esta importante vía comercial, a cargo de tres arquitectos respectivamente. A pesar de ser diferentes, estas tres galerías se comunican subterráneamente. En una de ellas resultó ganador Jean Nouvel, arquitecto francés quien propuso la versión berlinesa de una de las tiendas más famosas de París: las Galerías Lafayette, ubicadas frente la Ópera de Garnier.

Interior de las galerías Lafayette, en París, con su cúpula Art Noveau que data de 1912.

LAS GALERÍAS LAFAYETTE, BERLÍN.

El edificio se ubica en la esquina de Friedrichstrasse y Franzosischestrasse, dos vías importantes en el área central de Berlín.

Las galerías se encuentran a una cuadra de la  Gendarmenmarkt, la más hermosa plaza de Berlín.



El entorno de las galerías está compuesto por bloques masivos de tiendas comerciales. La propuesta de Nouvel, un edificio vidriado y transparente, causó controversia pues se esperaba que se respete el carácter sólido de estas edificaciones contiguas.




A primera vista me pareció un poco extraño, en el sentido de alienígena, con su gran esquina curva, impuesto sobre un entorno al que parecía no pertenecer. Pero de noche los vidrios se desvanecen, se hacen etéreos y es como si el espacio interno se extendiera hacia la calle, o viceversa.


Efectivamente, el edificio ha sido concebido como una vitrina gigante, particularmente de noche, cuando el interior de las tiendas es mostrado sin impudicia hacia la calle.



Como hemos visto en otras obras de Nouvel, anteriormente comentadas en este moleskine (como la Torre Agbar, el Instituto del Mundo Árabe o la Torre Doha), este arquitecto tiene predilección por trabajar las fachadas de sus edificios en diversas capas o "pieles". Las Galerías Lafayette no serían la excepción, aunque de una manera más soslayada que en los casos anteriormente mencionados.




La fachada vidriada está compuesta por 3 capas, las dos externas de vidrio irrompible y con una interna de vidrio laminado. Esto permite crear un colchón de aire que permite ventilar efectivamente el edificio (me recuerda a un ardid parecido utilizado por Renzo Piano en su tienda Maison Hermes en Tokio, aunque en el caso de Berlín, Nouvel ha sido mucho más sutil.




INTERIOR

El exterior fue planteado como una gran vitrina, pero es el interior el que llamó la atención de la crítica internacional.

El edificio está organizado en 6 niveles, 2 sótanos y 2 niveles de estacionamiento, sostenidos sobre una estructura de columnas cilíndricas dispuesta en una trama de 8.1 x 8.1 metros. El programa incluye áreas comerciales, oficinas y departamentos de vivienda.


"Una estrategia espacial crea una sinergía entre la expresión de los espacios comerciales y las oficinas. El espacio fluye verticalmente hacia el cielo (admitiendo la luz natural como un elemento arquitectónico) y también se sumerge hacia el interior de la tierra (marcando la ubicación del estacionamiento)."




El evento principal al interior es un grupo de conos acristalados, pensados para introducir la luz al edificio y como elementos visuales atractivos. La luz se refleja y refracta de manera diversa en estos cristales, formando calesidoscópicos efectos al interior, siempre cambiantes de acuerdo a la hora del día.


Foto cortesía de Tobi

Al centro, un atrio circular presenta un gran cono invertido que se comunica con los sótanos inferiores y llega hasta el estacionamiento. Sobre él se ubica otro gran cono suspendido de 50 metros de alto.


Adicionalmente  existen otros cuatro conos menores invertidos, por los cuales entra la luz generosamente, al igual que en la gran cúpula de cristal de las Galerías Lafayette en París.


Estos conos cuentan con una doble lámina de protección solar en la azotea y su ápice culmina con es una punta especial de vidrio de 2 cm de espesor, fijada con anillos de metal a la estructura del cono.



La circulación se organiza en torno al espacio central, el cual, si bien impresionante y glamoroso, ha sido criticado por su poca funcionalidad. De hecho, debido al alto costo que presupone el área ocupada, los comerciantes han optado por atiborrar el espacio circundante con sus productos, en lugar de ser de una amplia área de expectación o paseo.



A pesar de estas críticas,  las galerías Lafayette se yerguen como el edificio más conspicuo de la Friedrichstrasse. Véase la diferencia con su vecino, un conjunto de galerías desarrollado por Henri Cobb. Este edificio en apariencia siguió un patrón más convencional y similar a su entorno, aunque durante la noche sale del closet y se torna aún más escandaloso que la propia versión de Nouvel.




El siguiente video muestra un análisis de las galerías, en inglés.



VER TAMBIÉN
- OTRAS OBRAS DE JEAN NOUVEL.

 - COMERCIO.


Junto a Marco Ramos, hábil arquitecto y un gran amigo, disfrutando de la comida (y bebida) típica alemana.

09 noviembre, 2009

BERLÍN Y EL MURO, 20 AÑOS: UNA VISIÓN ARQUITECTÓNICA

La Puerta de Brandemburgo en tiempos del muro.

El mundo conmemora hoy los 20 años de la caída del muro de Berlín. Obviamente, este hecho merece ser analizado desde sus implicancias políticas y económicas (el fin de la Guerra Fría, la caída del comunismo, el desmoronamiento de la Unión Soviética, el inicio de la globalización, el impulso a la Unión Europea, etc). Sin embargo, en el presente post quisiera esbozar algunas consideraciones acerca de lo que significó para Berlín esta separación desde el punto de vista espacial urbano y de la evolución en el diseño y la construcción de la muralla. En su paisaje urbano pueden verse aún muchas cicatrices de aquella dolorosa fractura.
Complementariamente,en las siguientes dos entregas de Mi Moleskine Arquitectónico mostraré sendos exitosos ejemplos del escabroso y a la vez entusiasta proceso de reunificación de esta ciudad: las Galerías Lafayette en la Friederichstrasse y el desarrollo en Potsdamer Platz. Porque Berlín después del muro es también uno de los ejemplos más interesantes a nivel mundial de regeneración urbana a gran escala.




BERLÍN ANTES DEL MURO

Resulta paradójico que Berlín iniciara sus días como una ciudad amurallada, durante el medioevo (1237). Era, sin embargo, una muralla inclusiva, cuyo fin era proteger a la ciudad de los ataques externos y que ofrecía (como en la mayoría de ciudades amuralladas de la época), un sentido de identidad y seguridad a sus habitantes.
 

En el siglo XVII se construyeron dos distritos adicionales, cuyas tramas ordenadas se distinguen del laberinto medieval: Friedrichstadt, al suroeste y Dorotheenstadt al noroeste. La calle Friedrichstrasse se convirtió en una vía conectora principal entre ambos sectores.

En 1734-36, cuando la ciudad se expandió hacia Friedrichstadt, se hizo una nueva muralla, marcada por grandes puertas. La más monumental de ellas, la Puerta de Brandemburgo (1788-91) fue construida como una gran entrada a la ciudad, enmarcando el soberbio bulevar Unter den Linden, perpendicular a la Friedrichstrasse, y el cruce entre ambas vías se convirtió en uno de los nodos más importantes de Berlín, representando el auge de la Prusia de entonces.

Bulevar Unted den Linden en 1691, casi 150 años antes que los que Haussmann hiciera en París. Fuente Wikipedia.


Aquella importancia comercial no disminuyó con los años. En 1882 se inauguró la estación de Friedrichstrasse, una obra maestra de la arquitectura de hierro, que por entonces simbolizaba el progreso industrial y la modernidad.

Estación de Friedrichstrasse en 1900s

Unter den Liden, 1907

En décadas subsiguientes se añadieron más de 30 cines, y esta vía se convirtió en el centro de producción cinematográfica de Alemania.


Cruce de Unter den Liden y Friedrichstrasse en 1913

En los años 20 el paisaje urbano se modernizaba, dando cuenta de la proclividad vanguardista berlinesa.


Izquierda: edificio de Mendelsohn en Friedrichstrasse. A la derecha Unter den Linden en los años 20s.

Uno de estos edificios es esta joyita, un edificio de oficinas obra de Erich Mendelsohn, que encontré cerca de la Friedrichstrasse.


Al inicio de los años 30, tras ascender Hitler del poder, los comerciantes y empresarios judíos que vivían en la zona fueron removidos por la fuerza. Unter den Linden fue decorada como un monumental paseo, flanqueado por águilas imperiales y esvásticas nazis (aún así, Hitler odiaba Berlín y planeaba fundar una nueva capital, Germania, un plan que fue abandonado al estallar la guerra).


Posteriormente, entre 1944-45, el bombardeo aliado (británico, norteamericano y especialmente soviético) devastó Berlín, que fue ocupada por los rusos en abril de 1945.Tras la capitulación germana, Alemania fue dividida en 4 partes: británica, francesa, norteamericana y soviética (otros países sufrieron similar suerte: Corea y Vietnam fueron divididos en partes comunistas y democráticas. Japón se salvó por poco). En 1949 el lado este se convirtió en la República Democrática Alemana y el oeste en la República Federal Alemana.
Berlín, la joya de la corona, se encontraba en lo profundo de Alemania del este, cerca de Polonia, pero fue también dividida en 4 partes por los aliados. Los soviéticos tenían la parte más grande, aproximadamente el 40% de la ciudad y el 30% de su población (1.2 de un total de 4 millones de habitantes).


División de Alemania y de Berlín por los aliados


El lado Este contenía los edificios más importantes: la municipalidad, la Puerta de Brandemburgo, la universidad, la biblioteca nacional, museos, la catedral, el teatro nacional. Sin embargo, los habitantes podían circular libremente, y servicios como los trenes y el correo funcionaban tranquilamente a ambos lados de la ciudad.
 

Berlín en 1949, aún con grandes áreas destruidas por los bombardeos.


EL PRIMER MURO

Numerosas crisis antecedieron a la construcción del muro, como el bloqueo soviético de Berlín Occidental en 1948 o la revuelta de obreros en Alemania del Este en 1953. Pero a pesar de la tensión se hablaba de una sola ciudad, virtualmente dividida en dos sectores, este y oeste. Debe haber sido extraño, sin embargo, en aquellas épocas de tensión en la guerra fría, el cruzar una calle y entrar a otro país, a otra sociedad, a otro mundo.

La presencia de una isla "occidental" en medio del país germano oriental resultaba incómoda para el gobierno comunista como para sus "camaradas" soviéticos. Era una especie de "cáncer capitalista", que interfería con su modelo de sociedad y sus fines políticos. A ello se sumaba la fuga en masa de talentos que fugaba hacia Alemania Occidental: en una década 2.5 millones de alemanes orientales, mayormente técnicos y profesionales formados en ese país, salían para Berlín del Oeste y nunca volvían a casa.


Desde el punto de vista de Alemania del Este, la construcción del muro era la única alternativa para contener eficazmente este éxodo. Aún así, nadie en Occidente anticipó una movida de tal naturaleza.

La medianoche del 13 de agosto de 1961 se inició el sorpresivo alambrado de la ciudad, montado sobre postes de concreto. La respuesta de occidente no pasó de un enérgico reclamo y el punto más tenso de la crisis se dio el 27 de octubre de 1961, cuando tanques norteamericanos se estacionaron frente a frente en el Punto de control C (Checkpoint “Charlie”), ubicado sobre la Friederichstrasse. El mundo sería otro hoy si a alguno de ambos frentes se le hubiera escapado un tiro.
 
Alta tensión en Checkpoint Charlie, 27 de octubre de 1961.

Pero Kennedy no queria una guerra, especialmente cuando el poderío militar del bloque comunista cuadruplicaba el de las potencias occidentales. Con esta anuencia entonces se inició la construcción de la primera generación del muro de Berlín.



Este primer muro se construyó con todo lo que hubiera a mano en la ciudad, aún repleta de escombros tras los bombardeos. La división fue tan brutal, ciega y represiva que no respetó edificios, iglesias, bulevares, parques, líneas de ferrocarril, puentes y todo lo que tuviera en frente. Pero lo más doloroso es que dividió familias, amigos, vecinos, padres de hijos, a los que incluso se les prohibía saludar a lo lejos a sus parientes en el oeste.


Puerta de Brandemburgo con el muro.

Uno de los casos más tristemente célebres es el de la calle Bernauer, donde se erigía un edificio de vivienda justo en el límite del muro. Como menciona el pastor Manfred Fischer, la gente viviendo al interior del edificio que asomaba por la ventana tenía la cabeza en el lado oeste y los pies en el este. Poco después las ventanas en 87 edificios en la Bernauerstrasse fueron tapiadas. Posteriormente los edificios fueron demolidos para dar paso a la segunda generación del muro.




LA SEGUNDA GENERACIÓN DEL MURO

El primer muro de Berlín probó ser ineficiente en su intento de controlar los intentos de escape de la gente. Era relativamente fácil pasar por encima o debajo (ni siquiera tenía cimientos), o hasta destruirla embistiendo algún camión contra él.

En 1963 la segunda generación del muro se edificó tirando la antigua improvisada pared y reemplazándola por una serie de bloques de concreto apilados horizontalmente, de manera que pudieran resistir el embate de vehículos. Para 1965 el diseño del muro de Berlín evolucionó en un sofisticado sistema, que consistía en dos tapias de concreto de 3 a 4 metros de altura coronadas con alambre de púas, separadas entre 30 a 40 m entre sí.
 
El cuadrado rojo corresponde a Checkpoint Charlie. La línea roja y azul definen la franja de la muerte. Friedichstrasse es cortada perpendicularmente por el muro.

Entre ellas se hallaba la franja de la muerte: una malla metálica adicional con alambre de púas equipada con alarmas, una zona de minas terrestres, ametralladoras y, para los que pensaban escapar en vehículo, barreras antitanque hechas de rieles y diques. El terreno era periódicamente rociado con químicos para evitar que crezca hierba.



Numerosas torres de vigilancia y búnqueres de concreto completaban el sistema. Las condiciones en estas últimas eran muy duras: sin baños, calefacción o cocinas.

TERCERA GENERACIÓN DEL MURO

Fue construida en 1968 basándose en bloques de concreto armado, entrelazados con vigas de acero, sobre los que se pusieron alambres de púas. Se añadieron también equipos de escucha subterránea que pudieran detectar túneles subterráneos y se minaron los desagües.



CUARTA GENERACIÓN DEL MURO

En 1975 se ideó una forma de hacer el muro más eficiente, pero añadiendo un efecto "estético" que disminuyera la imagen de campo de concentración que tenía el cerco. Para ello se instalaron 45,000 bloques de concreto en forma de L, resistentes a la intemperie y la contaminación, que reeplazaron las antiguas paredes.


Cada bloque tenía 1.2 m de ancho por 3.6 m de alto. La base de la L se extendía 1.8 m para resistir posibles embates. En el tope de los muros se retiró el espantoso alambre de púas para reemplazarlo por una sección tubular de concreto, similar a un tubo de desagüe.



Además como parte del maquillaje estético se removieron las ametralladoras y las barras antitanque.

A fin de poder contrastar mejor posibles fugitivos las paredes fueron blanqueadas, lo que en Berlín Oeste se convirtió en una irresistible y prolífica fuente de graffiti.



LA CAÍDA

Al cumplirse los 25 años del muro en 1986 se hicieron planes para crear un muro con la última tecnología disponible: microondas, sensores electrónicos y de calor.


Pero para entonces el suelo político se sacudía bajo su base. A la Perestroika de Gorbachov siguió la independencia de hungría, que se convirtió en una puerta de escape para cientos de miles de alemanes que fugaban a través de Checoslovaquia. Cuando el borde checo se cerró Alemania del este se conmocionaba con millares de gente protestando, demandando libertades y el fin de la opresión. El gobierno comunista se caía a pedazos.

El 9 de noviembre de 1989 se declaró la libertad de tránsito entre Berlín del Este y el Oeste. Fue todo tan rápido que no lo podíamos creer. Miles de berlineses se lanzaron a demoler las paredes, o tal vez a quedarse con un pedazo de ellas.

En poco tiempo la muralla fue destruida, aunque quedan algunos tramos como muestra del horror y la opresión y el horror de aquellos años.


Muchos berlineses ayudaron a echar abajo el muro. Solo queda una huella marcando su antiguo trayecto.



Las siguientes fotos las tomé en el tramo que está al lado de otro escenario horrorifico: los restos del cuartel de la Gestapo. Esta zona se ha llamado Topografía del Terror.







Mientras tanto, Checkpoint Charlie se ha convertido en un museo, y en la Friedrichstrasse puede verse la caseta de control , con la foto de un soldado soviético hacia un lado y de uno americano al otro.


 

A partir de 1990, mientras amigos y familias se reencontraban, quedaba la gran tarea de unir dos pedazos de ciudad, que durante 28 años habían evolucionado de forma diferente. Tal como en muchos otros países del bloque comunista, la arquitectura moderna, en su variante más funcionalista e impersonal, había contribuido crear un paisaje taciturno y anodino, a cercenar rasgos de personalidad e individualidad entre sus habitantes. Muchos de estos bloques fueron demolidos, reciclados hasta crear paisajes irreconociblemente vivaces. Sobre ellos trataremos las próximas entradas.


VER TAMBIÉN

- MURALLAS Y DIVISIONES



Foto cortesía de Mr. Glen

04 noviembre, 2009

RIETVELD + KUROKAWA = MUSEO DE VAN GOGH



Cuán estimulante resulta que en el museo del genial y atribulado Vincent Van Gogh, tal vez el más importante pintor holandés después de Rembrandt, hayan confluido la mano de dos maestros de la arquitectura: Gerrit Rietveld, máximo exponente arquitectónico del movimiento holandés De Stijl o neoplasticismo  y el recordado japonés Kisho Kurokawa, maestro del metabolismo y posteriormente la simbiosis arquitectónica. A ellos se han sumado otros profesionales que han tratado los espacios exteriores hasta convertir el Museumplein en el núcleo museístico más importante de Holanda.



SOBRE VAN GOGH

Vincent Van Gogh (1853-90) fue un prolífico pintor post impresionista y uno de los más importantes exponentes del arte moderno. Su paleta transpira color, furia, intensidad y expresa  la obsesión e insanía mental que lo torturó durante los últimos años de su vida. Van Gogh no solamente pintaba  los paisajes que lo rodeaban, sino aquellas sensaciones que le hacían sentir, algo que daría pie al arte abstracto.


Vincent y Theo Van Gogh



Fue hijo de un pastor protestante y la religión y el arte fueron dos constantes en su familia. De hecho, su primer trabajo fue en una tienda de venta de arte y, posteriormente su hermano Theo se dedicó también al comercio de arte. La correspondencia con este último es la fuente más cernana que tenemos para entender a Vincent, y forma parte importante de la colección en el museo.


Luego, Vincent quiso ser misionero y se fue a trabajar a una mina de carbón en Bélgica. Allí empezó a dibujar la dura vida de los mineros, y posteriormente de campesinos, cuyos rasgos toscos y dinámicos se plasmaron muchos años después en "Los comedores de patatas" (1885).
 
Al año siguiente viajó a París y quedó maravillado con el trabajo de los impresionistas, su temática de la vida cotidiana y la luz que infundían en sus obras. Es aquí cuando cambió su técnica a pinceladas gruesas y entrecortadas en segmentos de tonos puros, y su obra ganó color y vitalidad.



En 1888 se trasladó al sur de Francia, a Arlés, Provenza, en busca del sol y la luz que el París invernal le negaban. Aquí su paleta se hizo incluso más luminosa y es donde creó dos de sus pinturas arquitectónicas más famosas: "La Casa Amarilla", representando el hotel donde estaba hospedado, y "La Habitación en Arles", que es su propia habitación. En ambas predomina el amarillo (su color favorito, al punto que llegó a comer pintura amarilla en sus ataques de insanía), pero matizado con tonos complementarios: rojos y verdes, azules y naranjas.

La "Casa Amarilla" en la realidad.

En "La Casa Amarilla" puede verse la ventana en el segundo piso que corresponde a "La Habitación en Arles".

Meses después invitó a su amigo Paul Gauguin a visitarlo, y para él pintó sus famosos "Girasoles". No deja de ser irónico que uno de estos cuadros haya sido vendido por 40 millones de dólares, cuando Vincent pudo vender un solo cuadro en vida.


Pero durante una discusión Vincent atacó a Gauguin con una navaja. Esa noceh, mientras Gauguin estaba ausente, fue el propio Van Gogh se cortó el lóbulo de su oreja, lo envolvió en un paquete y se lo regaló a su prostituta preferida. Vincent fue hospitalizado y luego se internó voluntariamente en una institución mental.

En este autorretrato puede verse la oreja mutilada, y una expresión de tristeza infinita.


Allí sus problemas mentales recrudecieron y al salir de ese lugar unos meses después su pintura se vuelve más patética. A esta época pertenece su alucinante "Noche Estrellada", la cual no se halla expuesta en este museo.
En sus últimos dos meses de vida pintó frenéticamente, 70 cuadros en igual número de vida. Su último gran cuadro "Campo de  Trigo con Cuervos" representaría con violencia el lugar donde terminaría sus días, pero al mismo tiempo reinventa la representación de los paisajes en la historia del arte y, según el crítico Simon Schama, es aquí donde nace el arte moderno.


El 27 de julio de 1890 caminó a un campo de trigo y se disparó en el estómago, muriendo dos días después. Su hermano Theo, curiosamente, moriría un año después y sería sepultado junto a Vincent.


El presente video, con la canción Vincent de Don Mclean es un homenaje a Van Gogh, y muestra muchas más obras del pintor que el limitado espacio en este post me permite. Aquí otra versión con subtítulos en español.


RIETVELD Y EL NEOPLASTICISMO

El Neoplasticismo o De Stijl fue un movimiento artístico holandés desarrollado entre 1917 y 1931, promovido por el artísta, crítico y teórico Theo Van Doesburg. De Stijl fue el nombre de la publicación académica en la que Van Doesburg fomentaba las ideas de este movimiento.


Piet Mondrian: Composición en rojo, amarillo, azul, negro y gris.


Nacido en la pintura, el neoplasticismo se basó en la abstracción de todas las formas a líneas y planos ortogonales, y de todos los colores a los primarios, el blanco y el negro. Mientras Piet Mondrian (1872-1944) es el exponente pictórico más conocido de este movimiento, Gerrit Rietveld (1888-1964) lo fue en arquitectura.

Rietveld se inició como diseñador de muebles, y en 1917 creó su famosa "Silla Roja y Azul", que es una expresión tridimensional de los conceptos del neoplasticismo.



Silla Roja y Azul y Silla Zigzag, dos creaciones de Rietveld

Su primera y más famosa obra arquitectónica, la casa Schröder, espacializa en tres dimensiones las ideas pictóricas y aglutina líneas y superficies en una composición magistral, al punto que la casa ha sido declarada patrimonio de la UNESCO.


El neoplasticismo fue una gran influencia para la escuela Bauhaus y posteriormente para el desarrollo del movimiento moderno en la arquitectura.



EL PRIMER MUSEO DE VAN GOGH


Rietveld empezó a diseñar el museo de Van Gogh entre 1963-64. Luego de la muerte del arquitecto en 1964, el proyecto fue completado por sus discípulos J. Van Dillen y J. van Tricht y culminado en 1973. Adicionalmente, en 1999 Martien van Goor añadió un ala de oficinas que permite una mejor comunicación entre los diferentes bloques del conjunto.


Fachada principal desde la calle Paulus Potterstraat.

Fachada posterior hacia el Museumplein. Nótese la adición contemporánea.


La composición volumétrica consta de tres cajas superpuestas a diferentes alturas, en una secuencia escalonada, y organizadas en torno a un patio central. En este espacio, iluminado cenitalmente, la escalera es el elemento protagonista.





Fotos cortesía de Jan Tito



El ingreso, que se da por la calle Paulus Potterstraat, está jerarquizado por una plataforma horizontal que cubre un área de espera elevada medio nivel respecto de la calle. Esta especie de "elemento flotante" es muy común entre los diseños de Rietveld.



INTERVENCIÓN DE KUROKAWA.



Gracias a una donación de la Japan Foundation se llevó a cabo una ampliación hacia las espaldas del museo original de Rietveld, que estuvo a cargo del maestro japonés Kisho Kurokawa en 1999.


Kurokawa, quien comparte con Rielveld su apego por las formas geométricas, marca una distancia al plantear un edificio basado en líneas curvas, basándose en el trazo de una elipse. De esta manera Kurokawa plantea el concepto de la simbiosis, un diálogo entre dos entidades diferentes, cada una con personalidad propia pero que buscan un bien común. Se plantea pues una simbiosis entre el oriente y el occidente, entre lo recto y lo curvo, el  orden y el caos.




En un gesto de hunildad, Kurokawa enterró 3/4 partes de su edificio, conectándose con el edificio antiguo mediante un pasaje subterráneo, a fin de minimizar el impacto visual que tuviera sobre el entorno. No obstante su peculiar forma curva y su techo de titanio son el primer contacto que tiene el visitante con el museo.




El volumen ovalado recubierto en granito es cortado diagonalmente, definiendo un espacio que es ocupado por una plaza de piedra que eventualmente se llena de agua, lo que vendría a ser una abstracción de un jardín japonés.


En la pared recta del museo sobresale un cubo metálico girado, que enfatiza la predilección del japonés por incrustar formas geométricas puras sobre superficies planas, como lo hizo también en el Centro Nacional de Arte, en Tokio, obra que hemos revisado anteriormente en este moleskine.



Al interior, la luz se filtra rasante por el techo curvo y se distribuye por las paredes de fibra de vidrio y los pisos de madera.





Foto cortesía de MorBCN

Foto cortesía de temp13

Dos espacios son claramente legibles: el área curva a doble altura y el cubo suspendido, que encierra la colección de Van Gogh de arte japonés de Ukiyo-e, como Kitagawa Utamaro y Katsushita Hokusai.


El ciruelo en flor y La cortesana (Hiroshige)

MUSEUMPLEIN

Tal vez la pregunta que todos nos hacemos al acercarnos al museo por la generosa explanada del Museumplein es... ¿por dónde se entra al museo? Y es que originalmente, como dijimos, el edificio enfrentaba a una calle, y daba la espalda a otra calle que unía el Concertgebouw (Sala de Conciertos) con el Rijksmuseum, el más importante museo de arte en Holanda.


La calle frente al  Concertgebouwen 1902

Entre 1996-99 se llevó a cabo una intensa remodelación de esta área, incluyendo parqueos subterráneos, una extensa explanada de césped, tiendas, cafés, una pileta-pista de patinaje, la relocación de áreas verdes y un monumento a las mujeres muertas en el Holocausto. El diseño correspondió al notable arquitecto paisajista sueco Sven-Ingvar Andersson, quien integró estas funciones culturales dentro de un espacio público.


Actualmente es uno de las zonas más concurridas por habitantes y visitantes, y a menudo se ofrecen exposiciones al aire libre, como esta muestra fotográfica.







Actualmente se vienen efectuando remodelaciones en los museos, pero en pocos años se espera que éste sea uno de los principales núcleos culturales de Europa.



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Es estimulante a su vez recordar que Van Gogh influenció notablemente el arte moderno en Holanda, incluyendo el De Stijl, y que a su vez Vincent se vió influenciado por el arte japonés. El mundo es un pañuelo...

VER TAMBIÉN

- OTRAS OBRAS DE KISHO KUROKAWA


- MUSEOS DE ARTE


Con Eric, Techi y Rafaelito.

29 octubre, 2009

RENZO PIANO EN ÁMSTERDAM: CENTRO NEMO

Foto cortesía de Bart van Damme

Ya desde el siglo XI los holandeses ganaban tierra al mar haciendo diques. No en vano a este territorio plano y en gran parte ubicado debajo del nivel del mar se le llama Países Bajos. De hecho, Ámsterdam significa "el dique en el (río) Amstel". Esa familiaridad con agua permitió crear ciudades de ricos y variados frentes ribereños y ayudó a convertir a los holandeses en la primera potencia mundial de comercio marítimo en el siglo XVII, por encima de España o Inglaterra. Por ejemplo, Holanda fue la única potencia europea que comercializó con Japón durante su ostracismo, creando el puerto de Dejima, en Nagasaki.


El celebrado arquitecto Renzo Piano parece haber tenido en cuenta estas consideraciones al diseñar el Centro Nacional de Ciencias NeMO, completado en 1997.

Foto cortesía de Brian Pririe

ENCONTRANDO A NEMO

El Museo escogió el nombre de NeMO (National Center for Sience and Technology) en honor al célebre capitán ideado por Julio Verne. Aquel enigmático personaje bajo el seudónimo de Nemo (que en latín significa nadie), utilizó su genio científico y su pericia de navegante para efectuar fabulosos descubrimientos a bordo del submarino Nautilus, en la premonitoria y adelantada novela "20,000 leguas de viaje submarino". De esta forma se busca incentivar en los visitantes el espíritu de aventura y curiosidad que caracterizan a la ciencia (curiosamente también, la película de Disney "Finding Nemo", podría traducirse como "Encontrando a Nadie").

UBICACIÓN

Localizado en el área de Oosterdok -una serie de muelles al este de la Estación Central de Ámsterdam- el edificio se emplaza sobre un túnel que se sumerge bajo el agua, el llamado IJ.

El NeMO se asienta sobre una pequeña plaza, la cual a su vez se comunica a la estación por un puente peatonal.


Enfatizando el rol histórico de la navegación en Holanda, al lado del museo se ubica una réplica de una nave de la VOC (Verenigde Oostindische Compagnie, o Compañía de las Indias Orientales Holandesas), poderosa compañía que tenía el monopolio de las especias del oriente.


Foto cortesía de Frank F.

CONFIGURACIÓN

El edificio destaca por su contundente forma de barco. Piano fractura el masivo volumen por la mitad y lo vincula a una rampa que asciende en la misma pendiente de la cubierta del edificio, usando una sutil composición que trata de implicar su pertenencia al terreno.

Foto cortesía de James Grimmelman

Como contrapunto un volumen vertical color ladrillo se yergue como la abstracción de un mástil, y se comporta como un tótem de bienvenida al conjunto.


Recubierta en cobre, su fachada se ha tornado verde con el tiempo, destacando en el paisaje urbano de la zona. La fachada, sólida y de pocos vanos, enfatiza la sensación de estar flotando al hacer su rimer nivel transparente.


La cubierta inclinada ha sido tratada como una gran plataforma escalonada, la cual es usada como una plaza pública en pendiente.





En verano, la gente trae sus sombrillas para asolearse, ero en cualquier época del año se ueden disfrutar de las magníficas vistas de la capital de los Países Bajos.


EL INTERIOR

Al interior, el edificio se organiza en 5 plantas, en las que van acomodando diversas muestras tecnológicas y científicas.


Distribución

El espacio se desenvuelve fluidamente y de forma muy flexible, caracrerísticas que heredara del famoso Centro Pompidou en París, diseñado por Renzo Piano y Richards Rogers. Ubicando los espacios de escaleras en el centro, es posible percibir la integredridad de edificio, el cual a pesar de su solidez exterior, interiormente es transparente.



A diferencia de los museos de arte o historia que son básicamente contemplativos, el concepto de este edificio es la interactividad con el usuario. Particularmente este tipo de museos me parecen muy divertidos, ya que buscan la participación activa del visitante, especialmente de los niños, siguiendo la regla de "está prohibida la frase NO TOCAR", algo que lo destaca de los otros tipos de museos.


El programa incluye un teatro, un cinema, restaurantes y varios espacios de descubrimiento, que van desde los más científicos (como "Tú, Yo y la Electricidad" que explora de manera interactiva divertidos efectos eléctricos o "Un viaje a través de la mente" que muestra una investigación del cerebro) a los lúdicos para niños pequeños (como el interesante "Reacción en cadena" o simplemente hacer enormes burbujas).


Sorprendentemente para este tipo de museos "familiares" hay algunos temas de educación sexual como "Hechos de los adolescentes" que, muy a la manera holandesa, se explican sin prejuicios, aunque no explicitamente.

Demasiado joven para estar interesado en un beso francés.

Particularmente, me gustó la muestra "Lo Bizarro y lo Bello", que muestra la diferentes forma en la que los humanos hemos buscado embellecernos a través de las diferentes culturas, desde los tatuajes africanos a los de los rockeros, desde los vistosos trajes tailandeses a los trajes de luces de los toreros.

Dos vistas de la muestra "The Bizarre and the Beautiful"

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El desarrollo del NeMO ha sido definitivamente un éxito, tanto desde el punto de vista del paisaje urbano amsterdamés, como de su desarrollo interior, por lo que es uno de los edificios más apreciados por los neerlandeses. Además, me resulta sorpredente la versatilidad de Piano para realizar obras tan diferentes y tan exitosas como el Museo High, el aeropuerto de Kansai o la tienda de Hermes en Tokio.

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Con mi querida amiga, la arquitecta Teresa Valdez.

25 octubre, 2009

BOUDHANATH STUPA , NEPAL


La estupa Boudhanath es uno de los templos budistas más sagrados de Nepal, y pa ra algunos el equivalente de la Meca en el Budismo en el Mundo. Ubicado a unos 10 km del centro de Katmandú, Boudanath atrajo principalmente a muchos monjes tibetanos que escaparon de China tras la revolución de Mao, y cuyas túnicas carmesí destacan en un vecindario surrealista, repleto de monasterios, tiendas, bandeloras multicolores, muchedumbres y cánticos, fragancias de incienso y alguna que otra vaca sagrada. Este crisol cultural, histórico y religioso es Patrimonio cultural de la UNESCO desde 1979.

Vistas del vecindario que rodea al monumento.

LAS ESTUPAS

Una estupa o stupa es un monumento budista que proviene de un montículo de tierra, forma que tenían las antiguas tumbas en Asia. Y es que en las primeras estupas se guardaban las reliquias de Buda, y hoy se siguen guardando de manera simbólica. Las primeras estupas se construyeron en el siglo III a.C. por el rey indio Ashoka, y de allí se expandieron por el Asia.



Una estupa está compuesta de 5 elementos, cada uno de los cuales representa uno de los elementos cósmicos: una base cuadrada (tierra), una cúpula semiesférica (agua), una aguja cónica (fuego), una luna creciente (aire) y unos discos concéntricos o chakras. Se dice que también era una forma abstracta de representación de Buda coronado y meditando sobre un trono, ya que en un principio y hasta el contacto con Alejandro Magno y la cultura helénica, las representaciones antropomórficas del Buda estaban prohibidas (ver un ejemplo de una escultura temprana de Buda aquí, en el Museo Miho, Japón).

En China, Corea y Japón la estupa evolucionó como pagoda, que aunque con forma diferente comparten los 5 elementos simbólicos.



En este moleskine hemos reseñado anteriormente algunas estupas importantes, como en Ayutthaya, Tailandia y en Borobudur, Indonesia. Esta última comparte con Boudhanath el patrón geométrico del mandala.

HISTORIA DE BOUDAHNATH


La más grande estupa de Nepal tiene un origen incierto, pero la mayoría la datan del reinado del rey Manadeva (464-505) o Sivadeva (590-604). Cuenta la leyenda que una pobre mujer se acercó al rey a pedirle un terreno para hacer una estupa. El rey le dijo que le daría el terreno que quepa dentro de una piel de búfalo. La mujer, entonces, cortó la piel de búfalo en delgadas tiras y con ellas circundó una gran área donde ahora se asienta Boudanath.


Este lugar se encontraba en la ruta entre el Tibet y Katmandú, por lo que históricamente ha habido una gran relación entre ambos pueblos. Luego de la invasión del Tibet en 1959, miles de tibetanos huyeron a Nepal y muchos se asentaron en esta zona, que se halla repleta de monasterios.

Vistas del vecindario. Coloridas casas rodean al monumento.


CONFIGURACIÓN


Boudhanath presenta la configuración de una estupa tradicional. Como es común en las mandalas tibetanas, Boudanath presenta cuatro Budas en los puntos cardinales, además de un quinto ubicado en el centro. Esto es también representativo de los 5 elementos.


La base está compuesta por tres grandes plataformas en forma de cruz que van decreciendo en tamaño, como una pirámide escalonada.


Luego, dos plataforma irculares soportan la gran cúpula de la estupa.
Recorrer esta blanca semicircunferencia fue para mí una experiencia inusual, ya que en la mayoría de estos monumentos el acceso está restringido (en casi todas las religiones).



Alguna vez caminé sobre la cúpula de una iglesia, pero fue una experiencia diferente. Era como estar "fuera" de algo, y no "en" algo. Además, aquella vez era obvio de que se trataba de una situación excepcional, y requerí del permiso del párroco. Aquí era sin embargo una experiencia cotidiana, algo que todo el mundo puede hacer, y se espera que lo haga. Las enormes proporciones de la estupa permiten recorrer sus superficie, sentarse, contemplar el entorno construido o las majestuosas montañas nepalís, o simplemente acercarse y tocar el pináculo sagrado.

Vista desde la gran semiesfera, desde donde se pueden ver otras estupas menores. Sobre el vecindario se proyecta la gran sombra del monumento.


Precisamente esta torre es el elemento más distintivo de Boudhanath, un gran monolito de color dorado, decorado con representaciones simbólicas.

En la base cúbica que sostiene a esta torre piramidal se halla la omnipresente figura de un para de ojos azules, que miran no sé si son severidad o con placidez, y que se repiten en las cuatro caras de la caja. Entre ellos, en vez de nariz, y con la forma de una oreja o un signo de interrogación, se encuentra el carácter que en nepalí significa "1" y que representa la unidad.



Luego se yergue la pirámide dorada de 13 pisos, simbolizando la escalera a la iluminación.


La torre es coronada con un baldaquín dorado, revestido de telas de colores, principalmente amarillo.


Finalmente el monumento se corona, a 36 m de altura, con una aguja dorada, que como dijimos, simboliza el éter.

Del baldaquín nacen radialmente una serie de banderolas multicolores, que si bien en un principio sugieren un aire de fiesta patronal, no tarda uno en darse cuenta de que cumplen un propósito más que decorativo: estas piezas de tela contienen mantras y oraciones, tan importantes como los vitrales en las catedrales góticas.


Foto cortesía de James Wainrwright
Foto cortesía de lsprasath

El impacto urbano de la estupa en su vecindario y en el propio paisaje es enorme, aunque al acercarse peatonalmente por la entrada ubicada al norte no se perciba en su real magnitud.

Vista de la entrada desde la estupa. Nada fuera de lo común.

En una rara y afortunada ocasión, tuve la oportunidad de fotografiar a Boudanath desde la ventana del avión, que es una perspectiva que seguramente los boddhisattvas o ángeles celestiales deben disfrutar a menudo.


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